Образ человека в искусстве [Тема]
Основные статьи: Человек, ИскусствоСодержание (план)
Образ человека в первобытном искусстве
см. Первобытное искусство
Наряду с каменными орудиями труда, памятники первобытного искусства являются важнейшим свидетельством того, что древний человек был способен к творчеству, созидал невероятные образы, наверняка наделенные для него глубоким смыслом. Конечно, прямого значения символов древних изображений нам обнаружить не удастся, но по наскальным рисункам, скульптурам из кости, петроглифам, дошедшим до нас, мы можем судить о том, как представлял самого себя человек той эпохи, что считал существенным и важным.
На смену условным и схематичным изображениям эпохи камня приходят более индивидуализированные образы следующих периодов, свидетельствующие о возрастании субъективности.
Образ человека в портретном жанре
см. Развитие портретного жанра
В портретном жанре фиксируются качества и свойства, ценимые в рамках определенной культуры, определенного сообщества.
Так, искусство становится зеркалом, в котором в обобщенном виде отражаются внешний облик и внутренний мир личности, типичной для своего времени.
Человек в модернизме (19 век — начало 20 века)
Особую картину образа человека создает искусство модернизма, опровергающее сложившиеся представления о человеке, заставляющее проникнуть в самые потаенные уголки души, вскрывающее самые отвратительные свойства человеческой натуры.
Романтизм
Очередной поворот к изучению себя произошел, пожалуй, в творчестве романтиков, пытающихся обнаружить в человеке нечто демоническое, обрисовать движения его души. Эстетическая программа предшественников новых модернистских движений — романтиков и символистов указывала на неоднозначность и двойственность человеческой натуры. Подобный опыт намечается в художественной прозе и поэзии, для которых характерен мотив двойничества. Важно то, что человек отныне пытается осмыслить свою тень.
Важно также, что он чувствует в себе непроницаемую глубину, интуитивно ощущаемую как истинная суть человека, его подлинность. Человек более не понимает себя, не знает, кто он, не улавливает руководящих им импульсов, словно подчиняется непреодолимой силе, в нем находящейся. Очень показательна в этом смысле серия портретов душевнобольных, выполненная художником Т. Жерико в парижской клинике Сальпетриера. Это означает, что теперь появился интерес не только к различным проявлениям души, сложным, неоднозначным характерам, но и к аномальным, пограничным психическим состояниям.
Символизм
Живопись
Принципиально неопределимым предстает человек у символистов. Он всегда является носителем непостижимой тайны. Его облик содержит нечто большее, не умещающееся в представления о человеческом. Его сущность раскрывается то через природные формы («Царевна-Лебедь» или «Пан» М. Врубеля), то надприродные (его же «Демон» или «Циклоп» О. Редона). Любой реальный персонаж в портретах М.
Врубеля выглядит так, словно это и не человек вовсе. В героях произведений художника скрыта неведомая тайна, разгадав которую можно приблизиться к пониманию мира. В этом положении символистов чувствуется близость идеям мистических античных учений, считающих человека малой Вселенной, имеющей в себе все части большой Вселенной. Поэтому главная задача при таком подходе заключалась в познании самого себя, что было ключом к загадкам Космоса в целом.
Поисками скрытой, внутренней сущности отныне будут заниматься представители всех творческих направлений модернизма. Экзистенциальный надлом и растерянность от незнания того, кто ты есть, нашла воплощение в работах П. Гогена. Чего стоит одно только название полотна «Кто мы? Какие мы? Куда мы идем?» Его соратник В. Ван Гог (чье творчество любят рассматривать психологи как продукт неуравновешенного сознания) создает потерянного, одинокого героя, который в любой ситуации всегда оказывается наедине с самим собой, отчего испытывает тревогу и тоску.
Депрессивные настроения, ощущение внутреннего надлома в работах П. Пикассо сменяются воодушевлением и восторгом познания сродни пафосу позитивизма. Пикассо уподобляет себя маленькому ребенку, ломающему игрушку, чтобы узнать, как она устроена. Художник взламывает натуру, чтобы проникнуть в суть. Как беспощадный исследователь, он осматривает модель с разных сторон, вспарывает, разрывает на части, отбрасывает несущественное и вновь собирает в единый образ. Особого трагизма при этом художник не испытывает. Для него это закономерный естественно-научный метод.
Литература
Пафос господства над природой и миром в целом и стремление преобразовать человеческую природу, модернизировать ее в соответствии с новыми ритмами жизни, свойственны футуристам во главе с поэтом и писателем Ф. Маринетти. Главный идеолог движения приветствовал наступление новой эпохи, в которой господствует скорость. Он настаивал на создании нового человека в комплекте со всеми запчастями, включая мозг, чтобы можно было в случае неполадки или повреждения заменить нефункционирующий орган на новый.
Для футуристического человека было утверждено следующее кредо: «смелость, отвага и бунт, риск, дерзость и неукротимая энергия, наглый напор и мордобой». Программа Ф. Маринетти, изложенная в 1909 г. в опубликованном в Милане «Первом манифесте футуризма», пришлась по душе фашистскому режиму. Любое государство мира мечтало бы иметь армию таких идеальных, сильных солдат, и, похоже, некоторые правительства реально финансировали эксперименты по улучшению человеческой породы. Заметьте, ум, способности к размышлению не входят в список установленных свойств нового человека.
Образ человека в Новейшее время (20 век)
Современное искусство отражает определенную тенденцию самовосприятия, которую нельзя характеризовать как разрушительную, агрессивную и упадочническую. И уж, конечно, опыт модернизма не случаен, это не каприз культивирующих свою гениальность художников-одиночек, отстаивающих собственную уникальность. Искусство XX в. с настойчивостью показывает нам, что пришла пора отказаться от прежнего образа человека, поскольку он не соответствует действительности; что необходимо взглянуть на себя с разных ракурсов, пусть даже самых неприглядных.
Множественность взглядов хотя и связана с утратой целостности, но необходима, чтобы не проглядеть чего-то важного и существенного, что легко можно упустить в идеализированной и завершенной картине.
В направлениях искусства конца XX века человек оказывается лишенным не только возвышенных устремлений, идеальных черт, но теряет также лицо, облик, то есть, и внешние человеческие характеристики. Ирония, свойственная искусству последних десятилетий XX в., привносит новый акцент: разобранному на части, фрагментарному человеку вполне уютно, а вовсе не страшно в этом руинизированном мире.
«Франкенштейн, или Современный Прометей» Мэри Шелли
В отличие от науки, не ограничивающей себя никакими этическими правилами или обязательствами, искусство постоянно словно предупреждает нас об опасности исследований над человеком. В литературе постоянно возникает мотив, как из человеческого материала изобретатель создает монстра, становящегося опасностью для человечества.
Чудовище доктора Франкенштейна из романа Мэри Шелли — предупреждение о том, как опасны эксперименты над человеческой природой. Любые попытки вмешательства в генетический материал, желание ускорить естественное развитие или изменить его с целью получить человека с заданными качествами — это нарушение законов природы, что не может не отразиться катастрофически на всем человечестве.
«Собачье сердце» М. Булгакова
Задолго до опытов с клонированием и экспериментов в области генетической инженерии М. Булгаков выразил свое отношение к подобным исследованиям в печальной повести «Собачье сердце». Это литературное произведение — не просто пародия на поиски методов омоложения путем пересадки органов от животных человеку, это отчаянный призыв задуматься над тем, что мы творим. Герой повести профессор Преображенский совершает грандиозный прорыв в науке, привив гипофиз человека на собачий мозг и… кается в содеянном. Он подавлен своим открытием, он уверен, что эксперименты над природой никогда не могут завершиться ничем хорошим.
Обращаясь к своему ассистенту, доктору Борменталю, профессор говорит: «Вы знаете, какую я работу проделал — уму непостижимо. И вот теперь спрашивается — зачем? Чтобы в один прекрасный день милейшего пса превратить в такую мразь, что волосы дыбом встают». На предположение ассистента, что, может быть, дело в наследственности, и если бы не мозг пьяницы и хама, а нормального человека, то и результат был бы иной, Преображенский горестно отвечает: «Можно привить гипофиз Спинозы или еще какого-нибудь такого лешего и соорудить из собаки чрезвычайно высоко стоящего. Но на какого дьявола, спрашивается. Объясните мне, пожалуйста, зачем нужно искусственно фабриковать Спиноз, когда любая баба может его родить когда угодно». Невмешательство в законы природы в данном случае провозглашает не писатель, наделенный буйной фантазией, но врач М. Булгаков, и свои идеи он вкладывает в уста литературного персонажа, тоже врача. Преображенский размышляет в диалоге с Борменталем: «Вот, доктор, что получается, когда исследователь вместо того, чтобы идти ощупью и параллельно с природой, форсирует вопрос и приподнимает завесу! На, получай Шарикова и ешь его с кашей!»
«Ultima thule» Владимира Набокова
Загадка, сокрытая в человеке, может оказаться чудовищной и невыносимой, иметь решение, которое мы не готовы принять.
Герой рассказа Владимира Набокова «Ultima thule» Адам Фальтер случайно обнаруживает ответ, но истина о человеке оказывается столь ужасной, что выдержать этого знания ни один человек не может. Сам получивший озарение сходит с ума, а психиатр, которому он поведал открытие, не выдержал и умер на месте от разрыва сердца. Следовало бы ожидать, что истина о мире окажется столь великомудрой, что сделает из человека Бога. Но в образе Фальтера писатель показывает нам существо, полностью лишившееся человеческих качеств: «…Одного взгляда на Фальтера было довольно, чтобы понять, что никаких человеческих чувств, практикуемых в земном быту, от него не дождешься, что любить кого-нибудь, жалеть, даже только самого себя, благоволить к чужой душе и ей сострадать при случае, посильно и привычно служить добру, хотя бы собственной пробы, — всему этому Фальтер совершенно разучился, как разучился здороваться или пользоваться платком».
«Я был в стране Воспоминанья…» Владимира Набокова
Искусство XX в.
больше не знает пафоса и упоения величием человека. Имя Человека больше не звучит гордо. Как предполагает писатель В. Набоков, может быть, сама природа нас уберегает от разгадки, пока держит в тайне ответ на задачу Сфинкса. Детское переложение греческого мифа только лишь приближает нас к пониманию, что речь идет о человеке. Именно он утром передвигается на четырех конечностях, днем — на двух; вечером — на трех (младенчество, зрелость и старость). На самом деле, сущность человека — тайна, которой владеет Сфинкс, не раскрыта и уничтожает тех, кто смеет приблизиться к ее раскрытию. Материал с сайта http://wikiwhat.ru
«Царь Эдип» П. Пазолини
Еще один образ всплывает в этой связи. На этот раз из области кинематографа. У режиссера П. Пазолини в фильме «Царь Эдип» герой при встрече со Сфинксом пытается сбросить чудовище с обрыва, а не ответить на его вопрос. Сфинкс же спрашивает Эдипа: «Расскажи мне свою тайну. Открой, в чем твоя загадка?» Но тот яростно толкает химеру в пропасть, пытаясь убить существо.
И уже падая. Сфинкс произносит: «Напрасно, юноша, бездна, в которую толкаешь меня, — в тебе самом». Пазолини, конечно, имел в виду фрейдистские идеи об эдиповом комплексе, но то, что он сделал в данном эпизоде, имеет более глубокий символистский смысл. В его интерпретации получается, что Эдип подозревает, что в его судьбе есть какая-то тайна, но знать правду он не желает и убивает последнего, кто может эту правду ему выложить. Сфинкс и есть олицетворение той чудовищной истины, скрытой в глубине подсознания, та химера, постоянно напоминающая о существовании страшного, невыносимого знания о самом себе. Для человека предпочтительнее убить химеру, чем смириться с мыслью, что чудовище — ты сам.
Теория З. Фрейда
Теория З. Фрейда произвела переворот в искусстве. В живописи и литературе возникло течение, превратившее учение психоанализа в свою методологию. Пытаясь двигаться к внутреннему, достичь глубин, сюрреалисты вслед за З. Фрейдом представляют человека как существо, чья деятельность мотивирована исключительно подсознательными импульсами.
Стараясь добраться до содержаний бессознательного, которые могут обнаруживать себя в сновидениях, фантазиях, бредовых и других состояниях, при которых власть сознания ослаблена, сюрреалисты активно использовали алкоголь и галлюциногенные вещества.
Сальвадор Дали
С. Дали обходился без этих средств и действовал иначе. Он погружался в полудрему, стараясь не заснуть и в то же время не бодрствовать. В таком состоянии он дожидался появления видений, которые потом переносил на полотно. Свой художественный метод он назвал паранойико-критическим, так как сами образы и их происхождение сродни бредовым видениям параноика. Но поскольку Дали словно наблюдал со стороны за своими иллюзиями, не отдаваясь им во власть, то он считал, что может критически к ним относиться. Художник утверждал, что понять эти фантазии и возникшие на их основе произведения не может никто: ни он сам, ни критики от искусства, ни простой зритель. Человек и здесь закрыт для познания. Чудовищные скрытые мысли и влечения, маниакальные идеи и извращенные желания — все это стало темой искусства.
Какой жанр изобразительного искусства наиболее точно характеризует человека той или иной эпохи?
О чем свидетельствуют эксперименты в области портрета в творчестве художников-модернистов?
Как современное искусство противостоит рациональности?
В чем проявление творческой свободы, по мнению сюрреалистов?
Какие приемы использовали поэты и живописцы сюрреализма и чего они добивались?
Можно ли говорить о рациональности методов сюрреализма?
Расскажите об образной системе произведений С. Дали и технике погружения в бессознательное.
В каком виде искусства возможно создать целостный образ человека?
Тема: » Образ человека- главная тема в искусстве».
Подготовить доклад по выбору. а) ВидыЖанр, посвященный изображению человека или группы людей, называется портретом. Само слово “портрет” произошло от латинского слова. Его можно перевести как “извлечение сущности”, т.е. выявление внутреннего содержания. Нарисовать его похоже – не единственная и далеко не главная задача портретиста. От него требуется передать также внутренний мир, душевное состояние человека, его положение в обществе. И, что самое важное, портретист должен выразить свое личное отношение к модели (так называют изображаемого человека). Художник имеет право на собственный взгляд, даже если портретируемый представляет себя иначе.
“Из истории возникновения портрета”
Искусство портрета родилось несколько тысяч лет назад. Самые ранние из сохранившихся произведений этого жанра – гигантские скульптурные изображения древнеегипетских правителей фараонов, высеченных из камня. Тысячи рабов трудились над их изготовлением. Эти огромные статуи должны были вознести фараонов на недосягаемую высоту, уподобить их богам.
Были в Древнем Египте скульптурные изображения и поменьше. Например, сделанные в мастерской скульптора Тутмеса портреты фараона Эхнатона, царицы Нефертити и их шестерых дочерей. Перед нами предстают обычные человеческие лица, но выполненные настолько мастерски, что с трудом верится в их нынешний “возраст” — три с половиной тысячи лет!
Жанр скульптурного портрета достиг совершенства в Древней Греции, где так высоко ценили человеческую личность. Моделями для скульпторов служили философы, поэты, политики, имевшие заслуги перед страной. Поэтому художник, изображая конкретного человека, вместе с тем создавал и образ идеального гражданина.
В истории искусства жанр портрета не только никогда не угасал, но, напротив, процветал во все времена – в первую очередь потому, что всегда находились заказчики.
В Древнем Риме ими были знатные горожане и члены их семей. Теперь мы можем многое узнать о том, как они одевались в те далекие времена, какие прически и украшения носили – насколько точно и правдиво работали римские скульпторы.
Наряду с обычным развивался и аллегорический (иносказательный) портрет. В Древнем Египте фараоны изображались в виде бога Осириса, царицы – богини Исиды. В Древней Греции царя Александра Македонского представляли в образе сказочного героя Геракла, облаченного в львиную шкуру и с палицей в руках. А в Древнем Риме императору придавали облик верховного божества Юпитера.
Жанр живописного портрета сложился позднее, в эпоху Возрождения. Тогда портрет стали разделять на парадный и камерный.
Парадный портрет изображает человека в момент его торжества. Об этом красноречиво говорит весь его вид: пышная одежда со знаками отличия и украшениями, вычурная горделивая поза. Кажется, что модель откровенно позирует художнику.
Полная противоположность парадному – камерный портрет. Само название говорит о том, что он предназначен не для парадных залов, а для небольших помещений (слово “камера” означает на латыни “комната”). Камерный портрет вводит нас во внутренний мир человека, часто неизвестного.
Человек как основная тема и главный предмет искусства реферат по искусству и культуре
МИНИСТЕРСТВО ВНУТРЕННИХ ДЕЛ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ Белгородский юридический институт Кафедра гуманитарных и социально-экономических дисциплин Дисциплина: Эстетическая культура. РЕФЕРАТ по теме: «Человек как основная тема и главный предмет исскуства». Подготовил: Слушатель 343 группы Горовой П.А. Белгород — 2008г. Введение: Каждая форма общественного сознания имеет свою специфику: преимущественное внимание к определённым сторонам и связям действительности, особые функции, предмет, метод, содержание, внутренние закономерности развития, формы в которых выражается мысль. Искусство возвращает аналитически расщеплённому наукой миру его целостность, оно – хранитель целостности личности, культуры, жизненного опыта человечества. Это всемирно – историческое назначение искусства. Искусство не заменяет ни одну из форм человеческой деятельности, а специфично их воссоздаёт.
безобразное — ведь все это эстетические категории, и мы используем их для определения этических ситуаций, для вынесения той или иной нравственной 0 0 1 Fоцен ки. Подлинное искусство, последовательно проводящее принцип единства этического и эстетического, искусство гуманистическое способно бороться против враждебных человечности тенденций, против того, чтобы человек становился послушным автоматом, апатичным конформистом. Произведения искусства, имеющие общезначимый характер, способствуют формированию чувств устойчивых, глубоких, связанных с общественно понимаемыми ценностями. Чувство долга, любовь к Родине и другие чувства, получившие общественное признание, находя своих носителей в образах любимых литературных героев, становятся примером и образцом. В этом отношении не имеет себе равных искусство слова. Оно помогает человеку осознать все богатство его чувств, ибо описание чувства, фиксирует для человека те особенности чувства, которые ему присущи. 0 0 1 FБезусловно, в эстетическом воспитании чрезвычайно ве лика роль и других видов искусства: театра, музыки, кино, изобразительного искусства.
Однако, для восприятия, например, симфонической музыки или искусства балета требуется большая специальная подготовка, усвоение большего запаса необходимых для этого знаний и представлений, чем при чтении литературного произведения. Другие виды искусства, напротив, более доступны массовой аудитории, например кино. Великая гуманизирующая роль искусства состоит и в том, что оно: 1. открывает и развивает человеческое в человеке; 2. способно показать мир и самого человека в перспективе их движения к идеалу, к лучшему, к должному, к тому, что еще предстоит воплотить. Итак, когда бы мы ни говорили об искусстве, его месте, значении, функциях в обществе, оказывается, что мы говорим о человеке, ибо искусство есть то волшебное зеркало, в котором человек видит себя, каков он есть — не только в своем настоящем, но и в заложенной в нем перспективе своего будущего. Человек, который хочет познать себя, перед которым стоит жизненно важный вопрос, кто он и зачем существует, не в последнюю очередь обращается с этим вопросом к искусству.
Человек в искусстве — это основная тема и главный предмет искусства, отражению которого оно посвящено и процесс человеческого 0 01 Fстановле ния и развития которого взаимосвязан с процессом возникновения и развития самого искусства. Человек в искусстве— это и творец искусства, в процессе его создания отражающийся в нем и выражающий себя как личность во всем богатстве человеческих творческих проявлений. Таким образом, вопрос о человеке в искусстве, рассматриваемый в разных его аспектах, своим смысловым, организующим стержнем имеет идею человечности искусства. Вопрос 2. Возникновение и становление искусства как отражение воображаемой победой над врагом. Так наивная вера в магическую силу слова, в колдовскую способность его воздействовать на мир, приводит к появлению различного рода заклинаний, заговоров. Конечно, ни заговор, ни заклинание, ни ритуальный танец не могли изменить сущность вещей или естественный ход событий, но они вызывали у людей сильнейшие переживания, оказывая влияние на их чувства.
Искусство, таким образом, было вплетено в трудовую практику, заключало элементы магии, способствовало психоэмоциональной разрядке в напряженной и трудной жизни первобытного человека. Совершенствование орудий труда, появление и утверждение частной собственности, углубившей общественное разделение труда, стали предпосылкой для выделения и обособления различных форм деятельности. Вследствие разделения общественных отраслей производства товары изготовляются лучше, различные склонности и таланты людей избирают себе соответствующую сферу деятельности. По мере развития сознания человека, его чувств, которые становились все более человеческими чувствами, позволяя человеку подняться до таких тонких переживаний, как эстетические, не связанные уже с материально- утилитарными, эстетические отношения все более высвобождались из своего подчиненного положения, составив смысл и главное содержание особого вида деятельности, направленного на создание прекрасного — деятельности художественной, в которой создание прекрасного начинает выступать уже как своего рода самоцель.
Таким образом, наряду с потребностями в пище и одежде, жилье и 0 0 1 Fорудиях производства у че ловека складываются и утверждаются духовные потребности, и в том числе потребности художественные, приводящие к возникновению эмоционально окрашенных стремлении к их удовлетворению. Удовлетворением этих художественно-эстетических потребностей человека и становится художественно-эстетическая деятельность, состоящая как в создании, так и в эстетическом восприятии предметов, имеющих 0 0 1 Fхудоже ственную ценность. Ставшее наиболее полным и концентрированным выражением духовно-практического освоения мира, искусство чутко реагировало на изменение требований общества изменением своего характера и содержания. 0 0 1 FОбратившись за конкретным примером такого взаимо отражения к поэтическому искусству, мы увидим, что на смену самым древним его 0 0 1 F 0 0 1 Fформам — заговорам, заклина ниям, трудовым песням при ходит фольклор, это первое, уже относительно оформившееся поэтическое явление. Значимость для человека некоторых сторон и явлений действительности, определяемая в процессе его жизнедеятельности, 0 0 1 Fзакрепляется в фольклоре созда нием определенных эмоционально- образных стереотипов.
Так, например, для создания образа красавицы давался почти обязательный набор таких клише: красна девица, уста сахарные, щеки румяные и т. д., через которые выражалось устойчивое народное представление о красоте как, прежде всего о здоровье, означающем пригодность девушки для трудовой жизни. Можно отметить, что, упоминая косу, стать, походку и даже речь, фольклорные образы не содержат упоминания о глазах (которые считаются зеркалом души). Очевидно, для фольклорных образов характерна определенная наивно-прагматическая установка в воспроизведении жизни связанная, с отсутствием внимания к психологическим деталям. Интересно отменить в этой связи, что постоянство народных представлений дававших чёткие очертания сущности людей и явлений, без смешивания доброго и дурного, обнаруживает определенное родство с непосредственностью детского восприятия. Авторы любимых у детей и юношества книг о Робин Гуде, Айвенго или Ассоль дают достаточно однозначные очертания характеров своих героев, четко поляризуя добро и 0 0 1 Fзло: очевидно, такая определен ность выглядит для детского восприятия 0 0 1 Fестественней и по нятной, чем неоднозначные, противоречивые характеры героев Достоевского или Толстого.
Характерной особенностью фольклора была неразработанность и просто невыделенность отдельных видов и жанров искусства: например, народная драма включала в себя наряду со словесным диалогом пантомиму, 0 0 1 Fпе ние, элементы клоунады и т. д. Неразделенность искусства на виды и жанры была следствием отсутствия специализаций художественных способностей. Этапом в развития искусства стал процесс его профессионализации. Профессиональное искусство явилось результатом формирования и выделения индивидуальности, личности, осознавшей свою «особость» и стремящейся к утверждению этой своей осознаваемой непохожести, своего особого видения мира. Таким образом, профессионализация искусства способствовала тому, что творчество приобретает личностный характер. Теперь перед искусством ставится цель — давать знание уже не только об окружающем мире, но и о том или ином восприятии его человеком. Развитие общественных отношений, происходящие в общественной жизни перемены, усложнение внутренней жизни и внутреннего мира человека — все это расширило круг тем, освещаемых в искусстве.
Это привело к созданию целой системы видов искусства, способной отражать все богатство социальных связей человека, все аспекты его многосторонне проявляющейся сущности. Поэтому можно сказать, что процесс становления искусства был отражением процесса становления самого человека, формирования его как личности. В свою очередь, искусство оказывало на человека обратное, развивающее и формирующее действие. Искусство, выделившись в самостоятельный вид духовного производства, выдвинуло в своем функционировании на передний план личность творца искусства, создающего его художника. Отражение объективной действительности в искусстве носит творческий характер, ибо включает в себя сложную переработку впечатлений существования. Поэтому объектом внимания искусства становится и человек «внешний» — во всем совершенстве его физической красоты и физических возможностей, и человек «внутренний» — во всем богатстве проявлений его внутреннего мира, его духовной жизни, его творческих способностей, и человек «социальный» — во всей разнообразии его отношений с другими людьми, с обществом.
Передавая представление самого художника об идеале, искусство являет нам живую историю развития и смены эстетических, взглядов и представлений. Достаточно, например, сравнить изображение натуры в античном искусстве, искусстве средних веков и затем Возрождения, чтобы убедиться в исторической изменчивости понятий о прекрасном. Скульптура, живопись, отчасти словесный портрет, представляя человека внешнего в его физической красоте и совершенстве его тела, показывают тот физический идеал, который выступает одной из сторон 0 0 1 Fформирования гармониче ски развитого человека. Живописные и скульптурные изображения греческих богов в образе физически совершенных людей вызывают чувство восхищения земной красотой самого человека. Используя для своих произведений те или иные мифологические или религиозные сюжеты, художники посредством их раскрывали силу человеческого духа, красоту его чувств, высоту и величие его любви, доброты, самоотверженности. Так, на иконах Богородицы, должных воплощать идею божественной любви, мы видим прежде всего отображение материнской любви обычной женщины к своему ребенку — образ, дышащий реальным, земным чувством В том же самом упрекал великих художников Возрождения, своих современников, итальянский религиозный фанатик Савонарола: «Вы наряжаете богоматерь, как ваших куртизанок, и придаете ей черты ваших возлюбленных».
Искусство (в отличив от религии, утверждающей, что бог создал человека во своему образу в подобию), всегда создавало богов по образу и подобию человеческому. Поэтому религиозные и мифологические формы и темы в искусстве — это тоже способ рассказать о человеке. Духовный мир — это важнейшее проявление и признак сущности человека — действительно самый главный и самый интересный предмет раскрытия в искусстве, особенно в словесных искусствах и музыке. И даже такой вид искусства, как архитектура, тоже о человеке: о высоте устремлении и величии его духа (Кёльнский собор), или о непомерности его тщеславия (громады египетских пирамид). Современное искусство в лучших своих произведениях продолжает тот необходимый разговор о чистом и добром в человеке, о смысле его пребывания на земле и о смерти, который вели в свое время Шекспир и Гёте, Толстой и Достоевский. Искусство не только решает, но и каждый раз в новых обстоятельствах ставит эти вопросы, призывая активно всматриваться в жизнь, размышлять; оно готовит человека к тому, чтобы он смог сам и конкретно для себя решить основные вопросы его личного бытия.
Вопрос 4. Виды искусства Искусство существует в конкретных своих видах: литература, театр, графика, живопись, скульптура, хореография, музыка, архитектура, прикладное и декоративное искусство, цирк, художественная фотография, кино, телевидение. Разделение искусства на виды обусловлено: 1) эстетическим богатством и многообразием действительности; 2) духовным богатством и многообразием эстетических потребностей художника; 3) богатством и многообразием культурных традиций, 0 0 1 Fхудожествен ных средств и технических возможностей искусства. Каждый вид искусства имеет преимущественное тяготение к определенным сторонам действительности. Многообразие видов искусства позволяет эстетически осваивать мир во всей его сложности и богатстве. Нет главных и второстепенных искусств, но каждый вид обладает своими сильными и слабыми сторонами в сравнении с другими искусствами. Прикладное искусство. Один из древнейших и поныне развивающихся видов художественного творчества — прикладное искусство. Оно осуществляется в предметах быта, созданных по законам красоты.
Прикладное искусство — это вещи, окружающие и обслуживающие нас, создающие наш быт и уют, вещи, сделанные не только как полезные, но и как прекрасные, имеющие стиль и художественный образ, который выражает их назначение и несет обобщенную информацию о типе жизни, об эпохе, о мировоззрении народа. Эстетическое воздействие прикладного искусства ежедневно, ежечасно, ежеминутно. Произведения прикладного искусства могут подниматься до вершин искусства. откуда открывается вид на столицу и на уходящие дали среднерусской равнины. Удачно вписано в городской пейзаж Москвы здание мэрии, похожее на раскрытую книгу. Архитектура зародилась в глубокой древности, на высшей ступени варварства, когда в строительстве начинают действовать законы не только необходимости, но и красоты. В Древнем Египте строились огромные гробницы (высота пирамиды Хеопса в Гизе — около 150 м), храмы со множеством мощных колонн (в храме Амона в Карнаке высота колонн 20,4 м, а диаметр 3,4м). Этой архитектуре присуща геометрическая четкость форм, отсутствие членений, несоразмерность масштабов сооружения и человека, подавляющая личность монументальность.
Грандиозные сооружения создавались не для удовлетворения материальных потребностей народа, а во имя духовно- культовых целей и служили делу социальной организации египтян под деспотической властью фараона. В Древней Элладе архитектура обретает демократический облик. Культовые сооружения (например, храм Парфенон) утверждают красоту, свободу, достоинство грека-гражданина. Возникают новые виды общественных построек — театры, стадионы, школы. В Средние века архитектура становится ведущим и самым массовым видом искусства, чьи образы были доступны даже неграмотным людям. В устремленных к небу готических соборах выражался религиозный порыв к Богу и страстная земная мечта народа о счастье. Архитектура Возрождения развивает на новой основе принципы и формы античной классики. Классицизм канонизировал композиционные приемы античности. С конца XVI до середины XVIII в., в эпоху становления 0 0 1 Fнациональ ных государств, сопровождавшегося войнами, развивается 0 0 1 Fбарокко (боль шое количество лепных украшений, парадность, контрастность форм).
Сооружения в стиле барокко служили прославлению и 0 0 1 Fутвержде нию абсолютизма (таков Версальский дворец) и католицизма (например, римская церковь Санта-Мария-делла-Виттория). В начале XVIII в. во Франции возник и распространился по всей Европе стиль рококо как выражение вкусов аристократии (украшательство, прихотливая орнаментальность формы, нарочитая асимметричность и сложность извилистых линий, а в интерьере — богатые росписи и большие зеркала, создающие впечатление легкости и нематериальности стен). Во второй половине XVIII в. рококо уступает место ампиру — монументальному, величественному стилю, опирающемуся на традиции классицизма и на стиль эпохи римских императоров. Он выражает воинскую мощь и державное величие власти (например, Триумфальная арка в Париже, превосходящая арки древнего мира, или Вандомская колонна, повторяющая колонну Траяна в Риме). Достижения русского зодчества запечатлены в кремлях, крепостных сооружениях, дворцах, культовых и гражданских зданиях. Русская архитектура богата самобытными национальными творениями (колокольня Ивана Великого, храм Василия Блаженного, постройки из дерева с их четкими конструктивными решениями и богатыми орнаментальными формами, как, например, церкви в Кижах).
В XVIII-XIX вв. вырабатываются принципы русского классицизма: ясность и выразительность архитектурного образа, простые конструктивные и художественные средства. В XX в. появляются новые типы зданий: промышленные, транспортные, административные многоэтажные дома и жилые массивы. Их строительство ведется индустриальными методами с использованием новых материалов и стандартных элементов заводского изготовления. Архитектуру называют летописью мира: она говорит тогда, когда уже молчат и песни и предания и когда уже ничто не напоминает о 0 01 Fбезвозврат но ушедшем в прошлое народе. На страницах «каменной книги» 0 01 Fзапечат лены эпохи человеческой истории. Живопись и графика. Живопись — изображение на плоскости картин реального мира, преобразованных творческим воображением художника; В пещерной живописи изображения зверей поражают точностью форм, глубоким знанием строения их тела и повадок. Древнеегипетские художники ради смыслового выделения также изображали фигуру военачальника в несколько раз большей, чем фигуры его воинов.
Это были первые композиционные акценты живописи. Средневековая живопись давала условно-плоскостное изображение мира. Внимание акцентировалось на смысле и значение. Эти же особенности присущи русской иконописи. Средневековье еще не знает анатомического различия взрослого и ребенка: на картинах Христос-младенец — это взрослый человек в уменьшенных размерах. Возрождение воскрешает культ обнаженного тела, подчеркивая не только его красоту и мощь, но и чувственную привлекательность. Радость бытия, духовное и чувственное наслаждение жизнью сквозят в живописи, 0 0 1 Fвоспевающей прелесть женского тела, целомудрен ность, тициановскую земную и небесную красоту. В XIXв. завершается наметившийся уже ранее процесс размежевания живописи и графики. Специфика графики — линейные соотношения, воспроизведение формы предметов, передача их освещенности, соотношения света и тени. Живопись же запечатлевает соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность.
В XX в. резко меняется характер живописи. На нее воздействуют фото, кино, телевидение, широта и разнообразие впечатлений современного человека. Углубляется интеллектуальный и психологический мир человека. Появление фотографии и освоение ею цвета поставило перед живописью новые задачи. Просто запечатлеть объект на память теперь может фотография. В живописи XX в. возрастает роль субъективного начала, обостряется значение личного видения, индивидуального восприятия жизни. индивида есть устойчивое в идеалах литературы. Ответить на эти вопросы можно коротко: все дело в слове. Слово — выразительное средство и мыслительная форма литературы, знаковая основа ее образности. Вначале было слово… Так Библия говорит о сотворении Вселенной. Художественный мир, создаваемый литературой, возникает именно по этой формуле. Заключение: Подводя итог, можно сказать, что искусство существует во имя людей, его высшая цель – гуманизм, счастье и полноценная жизнь личности. Ничем не заменимая цель искусства: утверждать самоценность личности, доставлять ей эстетическое наслаждение, пробуждать в ней творческий дух.
Именно в свете этой цели художник и смотрит на мир, отбирая в нём необходимые связи. Предмет искусства – реальность, взятая в свете гуманистических целей искусства, или жизнь в её самом широком общественном значении, действительность в её эстетическом богатстве, мир в его значении для человечества. Литература: Основная: 1. *Борев Ю.Б. Эстетика: учебник. – М.:Высш. Шк., 2002. 2. *Кривцун О.А. Эстетика: учебник. – М.: Аспект Пресс, 2000. 3. *Профессиональная этика и эстетическая культура сотрудников правоохранительных органов: учебное пособие / авт. кол.: В.А Балашов, Н.М. Дудин, Н.И. Зайцев, Н.М. Морозова, В.С Остапенко, В.Н. Пристенский. – Воронеж: ВВШ МВД России, 1998. 4. *Яковлев Е.Г. Эстетика: учебное пособие. – М.: Гардарики, 2003. Дополнительная: 1. *Кондрашов В.А. Этика. Эстетика: учебное пособие. – Ростов н/Д: Феникс, 1998. 2. *Николаев Ю.П. Основные эстетические категории и их значение в деятельности органов внутренних дел: лекция. – М.: МВШМ МВД России, 1993.
Жанр портрета (Реферат) — TopRef.
ruДОКЛАД
На тему: » Жанр портрета»
Доклад выполнил:
учащаяся 11 «а» класса
гимназии «Росток»
Касьянова Рита
Предмет:
История художественной культуры
Преподаватель:
Косенко Л.А.
АНАПА 1999г.
ПОРТРЕТ
К этому жанру относятся произведения изобразительного искусства, в которых запечатлен внешний облик конкретного человека (или группы людей). Каждый портрет передает индивидуальные, присущие только портретируемому (или, как говорят художники, модели) черты.
Само название
этого жанра происходит от старофранцузского
выражения, означающего «воспроизводить
что-либо черта в черту». Однако внешнее
сходство не единственный, да и, пожалуй,
не главный критерий художественного
достоинства портрета. В одном из залов
Третьяковской галереи экспонируется
портрет А. И. Герцена, написанный в
1867 г.
русским художником Н. Н. Ге. Облик
русского революционера, пламенного
борца с самодержавием и крепостничеством
хорошо известен нам по многим фотографиям.
Художник верно воспроизвел характерные
внешние черты Герцена.
Но передачей внешнего сходства вовсе не ограничивается замысел живописца. В лице Герцена, как бы выхваченном из полумрака направленным снопом света, отразились его раздумья, непреклонная решимость борца за социальную справедливость. Ге запечатлел в этом портрете не сиюминутное состояние модели, а духовную историю личности, воплотил опыт всей ее жизни, полной борьбы и тревог. Более того, в облике духовно близкого ему человека Ге воссоздал как бы собирательный тип лучших русских людей своего времени. Искусство портрета требует, чтобы наряду с внешним сходством в облике человека отражались его духовные интересы, социальное положение, типические черты той эпохи, в которую он жил.
К тому же автор
портрета, как правило, не бесстрастный
регистратор внешних и внутренних
особенностей портретируемого: личное
отношение художника к модели, его
собственное мировоззрение, его творческая
манера накладывают на произведение
зримый отпечаток.
Искусство портрета
насчитывает несколько тысячелетий.
Уже в Древнем Египте скульпторы, не углубляясь во внутренний мир человека, создавали довольно точное подобие его внешнего облика. Идеализированные, как бы приобщенные к прекрасному миру богов и мифических героев, образы поэтов, философов, общественных деятелей были распространены в пластике Древней Греции.
Поразительной
правдивостью и одновременно жесткой
определенностью психологической
характеристики отличались древнеримские
скульптурные портреты. Выдающимся
явлением своего рода были живописные
портреты ритуально-магического
назначения, которые создавались в Египте
в I в. до н. э. — IV в. н. э. (по месту находки
позднее они стали называться
фаюмскими). В эпоху средневековья, когда
в европейском искусстве царили отвлеченные
религиозно-мифологические образы,
некоторые мастера создавали
психологически точные портретные
произведения. (Такова, например,
статуя графини Уты в городском соборе
Наумбурга; скульптурные портреты собора
св.
Вита в Праге и др.) Настоящий расцвет
портретное искусство пережило в эпоху
Возрождения, когда высшим началом,
главной ценностью мироздания была
признана героическая, действенная
человеческая личность.
Множество своих современников — поэтов, ученых, властителей — запечатлел великий итальянский художник Тициан. Интеллектуальной мощью, гордым сознанием внутренней независимости, душевной гармонией наделен его автопортрет (1560-е гг., Прадо, Мадрид). Сила и скрытая энергия, серьезность и мужественность подчеркнуты в портрете Шарля де Моретта (ок. 1536, Картинная галерея, Дрезден), написанном живописцем X. Хольбейном Младшим. В XVII в. в европейской живописи на первый план выдвигается камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официальному, направленному на возвеличивание и прославление изображаемых.
Своим «Портретом
старушки» (1654,ГМИИ) гениальный
голландский портретист Рембрандт вводит нас во внутренний мир
простого, ничем не знаменитого человека
и открывает в нем величайшие богатства
доброты и человечности.
Широкую гамму
различных чувств, темпераментов,
человеческих индивидуальностей умел
передать Рембрандт и в больших групповых
портретах, таких, как «Старейшины
суконного цеха» (или «Синдики», 1662,
Рейксмюсеум, Амстердам).
Лучшие черты испанского национального характера — скромную сдержанность, чувство собственного достоинства раскрывает в портретах карликов-шутов (1640-е гг., Прадо, Мадрид) другой великий портретист XVII в. — Д. Веласкес.
С начала XVIII в. портретный жанр активно развивается в русском искусстве. Сложный, неоднозначный образ служивого человека Петровской эпохи обрисован в «Портрете напольного гетмана» (1720-е гг., ГРМ), написанном И. Н. Никитиным.
О русском
искусстве рубежа двух веков, как и в
более ранний период, портрет занимает
важное место. Значительность и
многообразие произведений, созданных
в этом жанре, воочию продемонстрировала
выставка «Портрет в русской живописи
конца XIX — начала XX века», организованная
в 1975 году в залах Государственного
Русского музея.
На ней экспонировались
произведения более пятидесяти
художников, из которых добрая половина
систематически работала над портретами.
Достаточно назвать такие имена, как
И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.А. Серов, М.А.
Врубель, К.А. Коровин, Ф.А. Малявин, К.А.
Сомов, М.В. Нестеров, С.В. Малютин, А.Я.
Головин, Л.С. Бакст, Б.Д. Григорьев, А.Е.
Яковлев, К.С. Петров-Водкин.
Русское искусство, предреволюционных десятилетий, развивавшееся в сложных исторических условиях, — явление неоднозначное и многоплановое. Отразившее коренные сдвиги в общественных отношениях и настроение революционного подъема в стране, оно отличалось противоречивостью и остротой художественных исканий.
Все это должно
было неизбежно сказаться и на портрете,
прошедшем за тридцать лет, как и живопись
в целом, насыщенный событиями путь. Хотя
среди портретов 1910-х годов встречаются
работы абстракционистского плана,
портрет все же не представлял для чисто
формальных экспериментов столь
широких возможностей, как, например,
пейзаж или натюрморт.
Объяснялось это
отчасти своеобразием жанра, заключавшемся
в особенно тесной зависимости художника
от натуры, в большей ответственности
перед ней.
Именно в портрете поэтому отчетливее, чем где-либо, прослеживается стойкость реалистических традиций, яснее вырисовывается связь с предшествующими достижениями. Произведения В.Г. Перова, И.Н. Крамского, Н.Н. Ге и в особенности И.Е. Репина, покорявшие высоким гуманизмом и пристальным вниманием к человеку, стали отправной точкой для творчества ряда художников следующего поколения.
Многие из них
не могли пройти и мимо искусства
замечательных мастеров XVIII -первой
половины XIX века Д.Г. Левицкого, К.П.
Брюллова, О.А. Кипренского. Непреодолимое
желание найти средства для усиления
образного воздействия, остроты и
выразительности живописно-пластического
языка обусловило обращение к
изобразительному опыту классического
искусства Запада и Востока, русской
иконописи, народному искусству, а иногда
к новой и новейшей европейской живописи.
В творческой практике некоторых высокоодаренных мастеров, сумевших проникнуть в суть тех или иных явлений искусства прошлого и художественно преломить их соответственно собственным исканиям, не утрачивая при этом своей индивидуальности, подобные поиски оказывались порой исключительно результативными. Для тех, кто был неспособен к самостоятельному творческому осмыслению материала, они оборачивались прямым заимствованием и эклектикой.
Движение портретного искусства рассматриваемого периода шло не в едином потоке, а устремлялось по нескольким руслам, тем не менее в нем достаточно ясно выявляется как общая направленность, так и смена форм выражения, каждая из которых отмечена определенными стилистическими чертами. Соответственно менялись подход к натуре, характер и тип портрета, живописно-пластические приемы. Творчество некоторых художников укладывается в рамки определенного стилистического направления, у других оно далеко выходит за его пределы.
Во второй
половине XVIII в.
работали прославленные
портретисты Ф. С. Рокотов, создатель
образов, полных тончайшей духовности
(портрет В. И. Майкова, ок. 1765, ГТГ), Д.Г.Левицкий, в своих парадных и
камерных портретах подчеркивавший
душевную широту и гармоническую цельность
своих моделей (портрет А. Ф. Кокоринова,
1769—1770, ГРМ; портреты воспитанниц
Смольного института, ок. 1773—1776, ГРМ), В.
Л. Боровиковский, автор женских
портретов, пронизанных тонким лиризмом
(портрет М. И. Лопухиной, 1797, ГТГ).
В первой
половине XIX в. главным героем портретного
искусства становится романтическая
личность, разнообразная в своих
проявлениях. Мечтательность и
одновременно склонность к героическому
порыву, живая естественность лица и
нарочитая эффектность позы переплетаются
в принадлежащем кисти О. А. Кипренского портрете гусара Е. В. Давыдова
(1809, ГРМ). Романтическая вера в
неисчерпаемость духовных сил
человека-творца запечатлена в
автопортретах О. А. Кипренского
(«Автопортрет с альбомом в руках», 1823,
ГТГ) и К.
П. Брюллова (1848, ГТГ).
🚀 Реферат на тему «Современная психология творчества и искусства»
Содержание
1. Современная психология творчества
2. Современная психология искусства
Список использованных источников
1. Современная психология творчества
Психология творчества — область знания, изучающая созидание человеком нового, оригинального в различных сферах деятельности, прежде всего в науке, технике, искусстве, — подошла в середине XX в. к новому этапу своего развития. Особенно резкие сдвиги произошли в психологии научного творчества: возрос ее авторитет, глубже стало содержание. Она заняла главенствующее место в исследованиях творчества.
Условия для нового этапа развития психологии научного творчества возникли в ситуации научно-технической революции, существенно изменившей тип социальной стимуляции исследований деятельности в науке.
Долгое время общество не имело острой практической потребности в психологии творчества, в том числе и научного.
Талантливые ученые появлялись как бы сами собой; они стихийно делали открытия, удовлетворяя темпам развития общества, в частности самой науки.
Легковесность критериев оценки качества исследований по психологии творчества навязывалась и ее историческими традициями. Пионеры видели в творчестве наиболее полно выраженную свободу проявления человеческого духа, не поддающуюся научному анализу. Существование объективных законов творчества человека фактически отрицалось. Главная задача исследователей творчества сводилась к описанию обстоятельств, сопутствующих творческой деятельности. Коллекционировались легенды, разжигающие любопытство доверчивых читателей.
Нужна помощь в написании реферата?
Мы — биржа профессиональных авторов (преподавателей и доцентов вузов). Наша система гарантирует сдачу работы к сроку без плагиата. Правки вносим бесплатно.
Заказать реферат
Все эти исследования собирались в течение веков под общим флагом «теории творчества».
С последних десятилетий XIX в. их стали относить к «психологии творчества». Психологию понимали тогда как науку о душе, об идеальной духовной деятельности [1, с. 273].
Теорию творчества и вкрапленную в нее психологию некоторые авторы того времени не решались отнести к числу научных дисциплин. С их точки зрения — это скорее тенденциозная группировка отрывочных фактов и случайных эмпирических обобщений, выхваченных без всякого метода, без всякой системы и связи из областей физиологии нервной системы, невропатологии, истории литературы и искусства. К этим отрывочным фактам и случайным эмпирическим данным примыкает ряд рискованных сопоставлений и скороспелых обобщений данных эстетики и словесности, а вместе с тем некоторое число более или менее тонких наблюдений, самонаблюдений, подкрепляемых ссылками на автобиографические самопризнания поэтов, художников, мыслителей.
На рубеже XIX и XX столетий вслед за исследованиями художественного и научно-философского творчества появились исследования естественнонаучного творчества, а несколько позднее— и технического.
В них более строго очерчивался предмет исследования. Это оказало благотворное влияние на продуктивность изучения творчества. Выявились некоторые общие для всех видов творчества обстоятельства. Внимание стало концентрироваться на более существенных явлениях.
Однако принципы исследования творчества в основном изменились мало. Это происходило не только потому, что предмет исследования был действительно весьма сложен, но главным образом потому, что до середины нашего века исследованиям творчества не придавалось существенного значения [2, с. 322].
В середине XX в. любознательность, стимулировавшая развитие знаний о творчестве, утеряла свою монополию. Возникла резко выраженная потребность в рациональном управлении творческой деятельностью — тип социального заказа резко изменился.
Сдвиг в социальной стимуляции был вызван научно-технической революцией — качественным скачком в развитии производительных сил, превратившим науку в непосредственную производительную силу, поставившим экономику в существенную зависимость от достижений науки.
Нужна помощь в написании реферата?
Мы — биржа профессиональных авторов (преподавателей и доцентов вузов). Наша система гарантирует сдачу работы к сроку без плагиата. Правки вносим бесплатно.
Цена реферата
В последние годы наша науковедческая литература показала условия, способствующие интенсификации исследования психологии творчества. Сложность проблем, к решению которых подошла наука, все возрастающее оснащение научных исследований новейшими техническими средствами тесно связаны с изменением структуры организации этих исследований, появлением новых организационных единиц — научных коллективов, превращением научной работы в массовую профессию и т. п. Век ремесленничества в науке ушел в прошлое. Наука стала сложно-организованной системой, требующей специального исследования для сознательного управления ходом научного прогресса.
Особое значение приобретают исследования творчества. Жизнь выдвигает перед исследователями в этой области комплекс практических задач.
Эти задачи порождаются тем, что темп развития науки нельзя постоянно наращивать лишь путем увеличения числа вовлекаемых в нее людей. Надо постоянно повышать творческий потенциал ученых. Для этого необходимо целенаправленно формировать творческих работников науки, осуществлять рациональный отбор кадров, создавать наиболее благоприятную мотивацию творческой деятельности, отыскивать средства, стимулирующие успешное протекание творческого акта, рационально использовать современные возможности автоматизации умственного труда, приближаться к оптимальной организации творческих коллективов и т. п.
Старый тип знания, стимулировавшийся любознательностью, — в основном созерцательно-объяснительный тип — не мог, конечно, удовлетворить новую потребность общества, справиться с новым социальным заказом — обеспечить рациональное управление творчеством. Должна была произойти смена типа знания, должен был сложиться его новый тип — действенно-преобразующий. Произошла ли такая смена? [3, с. 183]
В 1950 г.
один из ведущих психологов США—Д. Гилфорд— обратился к своим коллегам по ассоциации с призывом всемерно расширять исследования по психологии творчества. Призыв встретил соответствующий отклик. Появилось множество публикаций под рубрикой психологии творчества. Они охватили, казалось бы, всю традиционную проблематику данной области знания: вопросы критериев творческой деятельности и ее отличия от нетворческой, природы творчества, закономерностей творческого процесса, специфических особенностей творческой личности, развития творческих способностей, организации и стимуляции творческой деятельности, формирования творческих коллективов и т. п. [4, с. 153]
Анализ психологии научного творчества в США показывает, что научно-техническая революция застала исследования творчества врасплох. Не было накопленных знаний, которые можно было бы назвать фундаментальными. Идеи, содержащиеся в этих исследованиях, в общих чертах уже выдвигались до 40-х годов нашего века.
Поэтому в качестве важнейшей характеристики современной ситуации в области исследования проблем творчества надо назвать противоречие, состоящее в несоответствии достигнутого уровня знаний и социальной потребности в нем, т.
е. в несоответствии типа социального заказа типу достигнутого знания — в отставании типа знания от типа заказа.
Нужна помощь в написании реферата?
Мы — биржа профессиональных авторов (преподавателей и доцентов вузов). Наша система гарантирует сдачу работы к сроку без плагиата. Правки вносим бесплатно.
Подробнее
Вместе с тем после победы Великой Октябрьской социалистической революции в развитии психологической мысли в СССР произошли глубокие коренные сдвиги: началось постепенное переосмысление психологических исследований на основе диалектико-материалистической методологии, что придало исключительно ценное существенное своеобразие нашим исследованиям, освободило многих ученых от идеалистических блужданий [5, с.132].
Генезис идей психологии творчества, особенности общего подхода к исследованию, динамика преобразований этого подхода и тенденция ее стратегического направления были прослежены автором в работе «Развитие проблем научного творчества в советской психологии» (1971), включающей в себя и дооктябрьский период.
Тенденция изменений в общем подходе к исследованиям творчества выражается в постепенном движении от не-расчлененного, синкретического описания явлений творчества, от попыток непосредственно охватить эти явления во всей их конкретной целостности к выработке представления об исследовании творчества как о комплексной проблеме — в движении по линии дифференциации аспектов, выявления ряда различных по своей природе закономерностей, детерминирующих творчество [6, с. 251].
Несмотря на некоторую паузу в изучении психологии творчества, мы обладаем существенными преимуществами перед буржуазными учеными: наши психологические исследования, опирающиеся на самую прогрессивную в мире марксистско-ленинскую методологию, существенно приблизили нас к тому, чтобы психология творчества превратилась в действенно-преобразующее знание. В отличие от «психолого-социологических» исследований повышения эффективности творческого труда в науке, ведущихся на уровне «здравого смысла», главное внимание мы уделяем анализу теоретического фундамента психологии творчества, выявлению и преодолению трудностей теоретического плана [7, с.
184].
Все перечисленное с достаточной убедительностью говорит о том, что современное состояние знаний по психологии творчества категорически требует предварения дальнейших ее исследований специальным рассмотрением основных образующих этой науки. Вопрос о предмете психологии творчества превращается в проблему, требующую методологического решения. Творчество в широком смысле рассматривается здесь как механизм развития, как взаимодействие, ведущее к развитию; творчество человека — как одна из конкретных форм проявления этого механизма. В основу подхода к изучению данной конкретной формы положен принцип трансформации этапов развития явления в структурные уровни его организации и функциональные ступени дальнейших развивающих взаимодействий. С позиции этого принципа разрабатывается стратегия комплексного — аналитико-синтетического—исследования творческой деятельности. Критериями выделения аналитических комплексов оказываются структурные уровни организации данной конкретной формы творчества.
Анализ места психологии в системе комплексного подхода приводит к представлению о психическом как об одном из структурных уровней организации жизни. При таком понимании предметом психологии творчества становится психический структурный уровень организации творческой деятельности.
2. Современная психология искусства
Психология искусства (англ. psychology of art) — отрасль психологии, которая изучает закономерности процесса восприятия и понимания людьми произведений искусства, исследует особенности психической деятельности, которые имеют место у писателей, живописцев, композиторов и т.д. при создании задуманных ими произведений, а также разрабатывает психологические вопросы художественного воспитания и эстетического развития.
Искусство на десятилетия, а то и на столетия опережает науку в познании неживого и особенно живого. Еще более существенно, что в отличие от науки искусство порождает живое знание. Искусство сохраняет человеческий мир целостным. Оно если и не предмет для подражания, то постоянное напоминание науке о существовании целостного неосколочного мира. Многие психологи обращались к искусству, находя в нем подтверждение своих гипотез и стремясь найти новые. Б.М. Теплов писал, что художественная литература содержит неисчерпаемые запасы материалов, без которых не может обойтись научная психология. Искусство, являющееся посредником между душой и абсолютным, не только понимающее, но и создающее язык души, может помочь вернуть душу в психологический дискурс о познании, чувстве и воле, о сознании, деятельности и личности [8, с. 279].
Нужна помощь в написании реферата?
Мы — биржа профессиональных авторов (преподавателей и доцентов вузов). Наша система гарантирует сдачу работы к сроку без плагиата. Правки вносим бесплатно.
Заказать реферат
В.Ф. Гумбольдт обратил внимание на то, что произведение искусства и язык, подобно человеку, имеют свои внешние и внутренние формы. Такое же строение имеет и символ, не только поставляющий материал для искусства, но и конституирующий его. Живой символ, при обманчивой простоте его внешней формы, имеет безграничное внутреннее содержание. Например, для раскрытия внутренней формы символа креста не хватило 2000 лет, на протяжении которых это пытаются сделать все виды христианского искусства. Символ одновременно материален и идеален, он и вещь и идея, поэтому лишь через символ вещь может стать идеей, а идея вещью. Символ одновременно конечен и бесконечен. В нем фиксированы все 3 цвета времени: прошлое, настоящее и будущее, т.е. в нем заключены не только образ и идея времени, но и представление о вечности. Символ допускает свободу понимания и интерпретации, и всегда, как и подлинное произведение искусства, как и человек, он полностью невыразим в понятиях и недосказан. Символ, в отличие от понятия, несет в себе не столько значения, сколько смыслы. Он обладает также эйдетической и духовной энергией. Подобными свойствами обладают и произведение искусства, и сам человек. В них «духовное доступно взорам и очертания живут». В произведении искусства присутствует душа художника, вложенная им при его создании. И. Бродский назвал стихотворения фотографиями души, по которым можно проследить развитие души самого поэта. Всматриваясь в душу поэта, читатель может заинтересоваться своей собственной душой. У. Блейк говорил, что поэзия учит обращать глаза внутрь самого себя, вглядываться в собственную душу. Проникновение человека во внутреннюю форму символа, произведения искусства, другого человека есть шаги по пути создания своей собственной внутренней формы, по пути само-строительства, «второго рождения». Философы, художники, психологи многое сделали для понимания влияния произведений искусства на человеческую душу. Платон характеризовал каждый истинный акт большого искусства как предельную сосредоточенность, сведение в одной точке всех сил ума, воображения, памяти, чувства и воли. Подобная сосредоточенность описывается в таких терминах, как вдохновение, одержимость, неистовство, результатом которых бывает внезапное проникновение в истину. Главное свойство истинного искусства состоит в способности его произведений притягивать (как магнит), захватывать, заражать и заряжать людей вложенными в эти произведения чувствами и энергией. В подобных описаниях весьма точно характеризуются внешняя картина воздействия искусства на человека [9, с. 279].
В.В. Кандинский утверждал, что всякое произведение искусства есть дитя своего времени, часто оно и мать наших чувств: «Истинное произведение искусства возникает таинственным, загадочным, мистическим образом «из художника». Отделившись от него, оно получает самостоятельную жизнь, становится личностью, самостоятельным духовно дышащим субъектом, ведущим также и материальную жизнь; оно является существом… оно, как каждое существо, обладает дальнейшими созидательными, активными силами. Оно живет, действует и участвует в созидании духовной атмосферы…». В этом же духе размышлял и Л.С. Выготский, считавший, что аффективно-смысловые образования сознания существуют объективно вне каждого отдельного человека в виде произведений искусства или в виде каких-либо других материальных творений людей. Он подчеркивал, что эти формы существуют раньше, чем индивидуальные аффективно-смысловые образования. Искусство способно создавать «партитуру чувств», которая избыточна для каждого человека в отдельности, но, видимо, все еще недостаточна для человечества в целом. Выготский, Д.Б. Эльконин, Б.Д. Эльконин называют эти объективные аффективно-смысловые образования, существующие до и вне развивающегося индивида, идеальной формой, которая усваивается и субъективируется в процессе индивидуального развития, становится реальной формой психики и сознания индивида. Таким образом, мало кто сомневается, что искусство — одно из важнейших средств воспитания души, поскольку в нем эстетическими средствами выражается духовный и этический опыт человечества.
Искусство — это дотеоретическая этика — этика в действии, а не в назидании. Оно практически вводит человека в мир человеческих ценностей, чего, к сожалению, нельзя сказать о науке. Не просто восприятие, а активное восприятие и созерцание произведений искусства есть начало духовной практики. А.В. Запорожец так описывал эволюцию поведения детей-дошкольников в театре: со-присутствие, сочувственное со-действие, со-чувствие, со-переживание. В итоге со-присутствие превращается в симпатическое со-участие или, в со-причастие, из которых может вырасти со-мыслие и эстетическое отношение к происходящему на сцене. Все эти стадии, благодаря детской непосредственности, отчетливо наблюдаемы [10, с. 214].
Поэтому можно сказать, что психология искусства развивается непропорционально мало в сравнении с другими разделами психологии и особенно в сравнении с тем, какое реальное значение имеет искусство в истории человечества и какое влияние оно оказывает на развитие отдельного человека.
Список использованных источников
1. Громов, Е.С. Природа художественного творчества / Е.С. Громов // Книга для учителя. – М.: Просвещение, 1986. – 364 с.
2. Басин, Е.Я. Психология художественного творчества / Е.Я. Басин. — М.: ВЛАДОС, 1985. – 386 с.
3. Кедров, Б. О творчестве в науке и технике: (Научно-популярные очерки для молодежи) / Б. Кедров. – М.: Мол. Гвардия, 1987. – 351 с.
4. Моляко, В.А. Психология творческой деятельности / В.А. Моляко. — М.: Высшая школа, 1978. – 278 с.
5. Ярошевский, М.Г. Проблемы научного творчества в современной психологии / М.Г. Ярошевский. — М.: Наука,1977. – 184 с.
6. Библер, В.С. Мышление как творчество. (Введение в логику мысленного диалога) / В.С. Библер. — М.: Политиздат, 1975. – 287 с.
7. Арнаудов, М. Психология литературного творчества / М. Арнаудов. – М.: МОО Центр «СПР», 1970. – 202 с.
8. Кривцун, О.А. Историческая психология и история искусств / О.А. Кривцун. – М.: Педагогика-Пресс, 1997. – 312 с.
9. Левшина, И.С. Как воспринимается произведение искусства / И.С. Левшина. – М.: Издательство «Альфа», 1983. – 300 с.
10. Хренов, Н.А. Социально-психологические аспекты взаимодействия искусства и публики / Н.А. Хренов. – М.: Мир, 1981. – 250 с.
Урок изобразительного искусства «Образ человека – главная тема искусства»
Цели: познакомить с изображением человека в искусстве разных эпох, с историей возникновения портрета; развить понимание того, что в портретном изображении должен выражаться характер человека, его внутренний мир; формировать умение находить красоту, гармонию, прекрасное во внутреннем и внешнем облике человека; активизировать познавательный интерес к окружающему миру и интерес к процессу обучения.
Оборудование: репродукции картин с изображением портретов разных эпох; репродукции картины Леонардо да Винчи “Джоконда”; Рембрандт Харменс ван Рейн; Илья Ефимович Репин “Торжественное заседание Государственного совета”.
Словарь: портрет.
Ход урока
1. Организационный момент.
Приветствие.
Учитель.
Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит… —
написал Александр Сергеевич Пушкин, увидев свой портрет, написанный Орестом Адамовичем Кипренским. Поэт, без сомнения, походил на себя: то же вытянутое лицо, те же курчавые волосы и живые глаза, бакенбарды, обрамляющие четкие и тонкие черты. Но куда же подевались присущие ему озорство и ирония? Перед Пушкиным предстал величественный мудрец, немного усталый и печальный. Таким увидел поэта художник. Именно таким, через сто семьдесят лет, представляем Пушкина и мы.
2. Изучение нового материала.
Тема нашего урока “Портрет”.
Жанр, посвященный изображению человека или группы людей, называется портретом. Само слово “портрет” произошло от латинского слова. Его можно перевести как “извлечение сущности”, т.е. выявление внутреннего содержания. Нарисовать его похоже – не единственная и далеко не главная задача портретиста. От него требуется передать также внутренний мир, душевное состояние человека, его положение в обществе. И, что самое важное, портретист должен выразить свое личное отношение к модели (так называют изображаемого человека). Художник имеет право на собственный взгляд, даже если портретируемый представляет себя иначе.
“Из истории возникновения портрета”
Искусство портрета родилось несколько тысяч лет назад. Самые ранние из сохранившихся произведений этого жанра – гигантские скульптурные изображения древнеегипетских правителей фараонов, высеченных из камня. Тысячи рабов трудились над их изготовлением. Эти огромные статуи должны были вознести фараонов на недосягаемую высоту, уподобить их богам.
Были в Древнем Египте скульптурные изображения и поменьше. Например, сделанные в мастерской скульптора Тутмеса портреты фараона Эхнатона, царицы Нефертити и их шестерых дочерей. Перед нами предстают обычные человеческие лица, но выполненные настолько мастерски, что с трудом верится в их нынешний “возраст” — три с половиной тысячи лет!
Жанр скульптурного портрета достиг совершенства в Древней Греции, где так высоко ценили человеческую личность. Моделями для скульпторов служили философы, поэты, политики, имевшие заслуги перед страной. Поэтому художник, изображая конкретного человека, вместе с тем создавал и образ идеального гражданина.
В истории искусства жанр портрета не только никогда не угасал, но, напротив, процветал во все времена – в первую очередь потому, что всегда находились заказчики.
В Древнем Риме ими были знатные горожане и члены их семей. Теперь мы можем многое узнать о том, как они одевались в те далекие времена, какие прически и украшения носили – насколько точно и правдиво работали римские скульпторы.
Наряду с обычным развивался и аллегорический (иносказательный) портрет. В Древнем Египте фараоны изображались в виде бога Осириса, царицы – богини Исиды. В Древней Греции царя Александра Македонского представляли в образе сказочного героя Геракла, облаченного в львиную шкуру и с палицей в руках. А в Древнем Риме императору придавали облик верховного божества Юпитера.
Жанр живописного портрета сложился позднее, в эпоху Возрождения. Тогда портрет стали разделять на парадный и камерный.
Парадный портрет изображает человека в момент его торжества. Об этом красноречиво говорит весь его вид: пышная одежда со знаками отличия и украшениями, вычурная горделивая поза. Кажется, что модель откровенно позирует художнику.
Полная противоположность парадному – камерный портрет. Само название говорит о том, что он предназначен не для парадных залов, а для небольших помещений (слово “камера” означает на латыни “комната”). Камерный портрет вводит нас во внутренний мир человека, часто неизвестного. Поза модели непринужденна. Создает впечатление, что портретируемый даже не подозревает о том, что его рисуют.
Своего величайшего расцвета портретная живопись достигла в 17 веке. Из этой эпохи дошли до нас образы господ и крестьян, детей и стариков, королей и шутов… Невероятно, но все это людское разнообразие воплотил в своем творчестве испанский художник – Диего Веласкес.
Долгие годы он был живописцем при дворе испанских королей. Его парадные портреты очень торжественны и пышны. Они представляют королевскую семью и придворную знать во всем их внешнем великолепии: изысканные костюмы из бархата и парчи, усыпанные драгоценностями и расшитые золотом и кружевами, способны поразить самое богатое воображение.
Но позы моделей слишком напоминают позы манекенов, а за показной роскошью не видно человеческой души.
Эти картины художник писал на заказ, а для себя рисовал королевских шутов. Уродцы, над которыми окружающие постоянно издевались, вызывали у Веласкеса глубокое сострадание и сочувствие, что отчетливо видно по многочисленным портретам.
Художник открыл для нас, что за скромной одеждой и физическими недостатками скрывались внутренняя красота и благородство этих людей.
Блестящим мастером камерного портрета был голландский художник Рембрандт Харменс ванн Рейн. Созданные им образы пронизаны самыми разными чувствами: радостью, грустью, глубокой задумчивостью, усталостью, достоинством, любопытством. Модели Рембранта словно говорят с нами. Мы ясно слышим каждую их историю, “рассказанную” движениями глаз, красноречивыми жестами рук, выразительной осанкой… Великий Рембрандт писал автопортреты на протяжении всей своей жизни. Их насчитывается около ста, и по ним мы сегодня можем проследить его сложную судьбу.
В Россию жанр портрета пришел только в 18 веке вместе с европейскими художниками, приглашенными Петром Первым. Сначала на портретах, называвшихся тогда “парсунами” или “персонами”, изображали самого царя и его приближенных.
Позднее, в первой половине 19 века, главной моделью становится герой, романтическая личность. Отечественная война 1812 года выдвинула на первый план людей активных, решительных. Именно таким предстает перед нами написанный кистью Кипренского гусарский полковник Е.В. Давыдов: ярко – красный парадный мундир, твердый взгляд, уверенная поза.
Во второй половине 19 века романтизм уступает место реализму, а парадный портрет – камерному.
Большую роль в этом сыграли передвижники. Так сокращенно называли себя члены Товарищества передвижных выставок. Его вдохновителем был блестящий портретист Иван Николаевич Крамской.
“Торжественное заседание Государственного Совета” вмещает в себя восемьдесят одну модель, и все написаны с портретным сходством.
Беседа по картине Леонардо да Винчи “Джоконда”.
Учитель. Из всего огромного количества портретов в мире есть один, о котором знает практически каждый человек на земле, но хранящий даже по прошествии многих лет, свою загадку. Как вы думаете, что это за портрет?
Джоконда!
Почему этот портрет Леонардо да Винчи до сих пор поражает людей? Почему загадку этой картины пытается разгадать каждый, кто смотрит на портрет, но она так и остается неразгаданной?
(Сообщение ученика).
3. Задачи стоящие перед художником.
Художник должен уметь изображать человека в различных положениях, в движении. В человеке самое главное, самое выразительное – это его внешний облик и лицо. Поэтому художник начинает изучать человека с рисования головы.
Необходимо изучить анатомию, что является
Портрет – это художественный образ человека. В нем должна ощущаться конкретная личность с присущими ей, и только ей, особенностями внешности, психологии, нравственного облика. Главное передать сущность портретируемого.
4. Практическая работа.
Задание: Выполнить рисунок на свободную тему.
5. Подведение итогов урока.
Список используемой литературы.
1. Энциклопедический словарь юного художника. Составитель Н.И. Платонова, В.Д. Синюков. – М.: Педагогика, 1983. — 416 с., илл.
2. Диккинс Р. Маккаферти Я. Как научиться рисовать лица. Перевод с английского Н. Веденеевой. — М.: ООО “Издательство РОСМЭН-ПРЕСС”, 2002. – 64, 64 с.
3. И.Г. Мосин. Рисование. Виды и жанры. ООО – “У – Фактория”, 1999 г.
Реферат на тему «Реализм в живописи» — Студенту — Каталог статей
Оглавление
Введение
Глава 1. Понятие реализма. История возникновения.
Глава 2. Примеры работ художников-реалистов
Введение
В каждой исторической эпохе существовали идеи, влияющие на духовную жизнь общества. Они влияли не только на общественное сознание и поведение, но еще и изменяли его структуру. Набирая вес, новые веяния в культуре становились главенствующими в данный исторический период.
В эпоху Средневековья, к примеру, на развитие культуры повлияло католическое вероучение, а в период Просвещения эти же религиозные идеи были подвергнуты критике со стороны науки.
Особенностью 20 века можно считать многообразие направлений и течений, появившихся в сфере изобразительного искусства, литературы и театра.
В мировом сообществе сложилась ситуация, которая способствовала пессимистическим настроениям. В это же время набирали популярность труды известных философов, которые, как казалось людям того времени, могли объяснить положение в мире.
Прослойка общества, состоявшая из творческих людей, понимала, что изменений не избежать и что мир уже не станет таким, как прежде. Но и они не могли предсказать будущее общества.
Глава 1. Понятие реализма. История возникновения
Реализм характеризуется как направление в искусстве, целью которого является воспроизведение действительности, которое подразумевает отражение всех характерных черт, присущих определенному временному промежутку.
Начало реализму, по мнению некоторых исследователей, было положено либо в эпоху возрождения, либо в период просвещения.
К характерным чертам реализма можно отнести:
1. Художественное изображение жизни общества, которое соответствует реальному положению дел в мире.
2. Типизация художественных образов, которая достигается при помощи правдивости в изображении конкретных деталей в реальной жизненной ситуации.
3. Реализм отличается стремлением изучать действительность в ее развитии, а также способностью обнаруживать совершенно новые социально-психологические отношения.
4. Реальность выступает как средство, с помощью которого человек познает себя и окружающий мир.
Тенденции, способствующие появлению реализма
Реалистические тенденции начали появляться еще на ранних этапах становления общества. Об этом свидетельствуют наскальные изображения и первобытные скульптуры. Хотя они и являются наивными попытками отобразить действительность, но все же это художественная форма изображения. Таким образом, человек учился замечать закономерности, происходящие в природе, и использовать их для достижения своих целей.
Для эпохи античности характерно появление реалистичных изображений фигуры человека и исторических событий. Античность объясняла мир с точки зрения мифологии. Такой взгляд на окружающую среду является одновременно и реалистическим и фантастическим. Мифологический реализм характеризуется наличием героической концепции поведения человека, которая сочетает в себе утверждение единства личности с обществом и гармонизацию внутреннего мира.
Эпоха Средневековья – период, когда мировоззрение человека сформировывалось благодаря религиозной точке зрения. Для данного временного периода характерен мистический реализм. Художники того времени были сосредоточены, в основном, на познании своего собственного внутреннего мира.
В эпоху возрождения, в отличие от периода Средневековья, изобразительное искусство носило светский характер. Людьми в то время двигала жажда получения новой информации, стремление к познанию мира и открытию неизвестного. Данный отрезок времени является особенным, так как именно тогда появились законы реалистичного изображения, которые используются и сегодня. Были открыты закон линейной и воздушной перспективы и закон светотени. Кроме этого художники того времени, благодаря изучению пропорций человека, научились создавать трехмерные реалистичные изображения на плоском полотне. Проявления реализма состояли еще и в том, что художники привносили в творчество больше экспрессии и эмоциональности. Для этого они избегали симметричных изображений. Также художники прибегали к более контрастным формам выражения образов.
В 16-17 вв. искусство переживало сильное влияние мировоззрения реформации, которое подразумевало отказ от религиозных ценностей и всякого рода церковных украшений. Поэтому живописцы были вынуждены перейти на такие жанры как бытовой и портрет.
Просвещение вошло в историю развития живописи как период, в котором особое значение придавалось непосредственному отображению жизни. Художники того времени активно идеи, которые были популярны в обществе, также картины были наполнены злободневностью и обличением людских пороков и нелепостей. Кроме этого наблюдались тенденции к появлению в картинах глубокого психологического анализа. Искусство 18 века отличалось острой наблюдательностью и передачей художником мыслей и чувств.
Художники 19 века стремились к отображению в своих работах идей, присущих времени, а также эстетических ценностей. Изобразительное искусство воспевало красоту природы и человека, отражало противоречия эпохи, а также социальные условия жизни человека. Поэтому, реализм 19 века часто называют критическим реализмом. Деятели искусства все чаще прибегали к изображению национального прошлого.
Появление в 19 веке фотографии очень сильно повлияло на изобразительное искусство. Авторитет художников, рисовавших в натуралистическом стиле, был подорван. Благодаря этому картины стали создаваться с целью передачи определенной идеи, нежели для реалистичного изображения действительности.
В начале 20 века реализм был подвергнут нападкам со стороны авангардистов. Которые отрицали все правила и каноны изобразительного искусства. Они гордились новизной подхода и экспериментальным подходом к творчеству.
Глава 2. Примеры работ художников-реалистов
Особое внимание стоит уделить работам известного французского художника Гюстава Кюрбе, который сильно отличался от остальных художников тем, что только он вызывал сильный резонанс в обществе своими картинами. Реализм в его понимании являлся элементом романтизма. Кюрбе создавал портреты своего времени, на которых была изображена простая сельская жизнь. Но простые сцены, воспроизводимые на картинах художника, трактовались им как возвышенно-исторические. Ситуации из жизни сельских людей получали, благодаря художнику, героическую окраску.
Самое знаменитое творение, созданное Кюрбе, имеет название «Похороны в Орнане». На картине изображалось погребение, на котором присутствуем мэр Орнана, а также другие люди этой местности.
Художник сумел передать типичные особенности людей того времени через индивидуальное изображение каждого отдельного человека. Курбе смог показать ничтожество людских страстей на фоне церемонии похорон, что вызвало негодование со стороны общественности. В данной картине многие видели клевету на французское общество провинциалов того времени. «Похороны в Орнане» можно считать одной из лучших классических европейских картин.
Рассматривая такое направление в живописи как реализм, нельзя не отметить знаменитого русского художника Ивана Шишкина и его картину «Рожь». Художник очень умело передавал состояние природы родного края. Шишкин изобразил на картине ржаное поле с редкими соснами, которые сильно отличаются друг от друга. Он смог показать даже состояние погоды в определенный промежуток дня.
Произведение наполнено любовью, которую Шикшин питал к родному краю и природе России. Через свою картину художник передает эту любовь и зрителю.
Среди реалистов особое место занимает Эжен Делакруа, которого относят к такому направлению в живописи как романтизм, но реализм в его картинах нельзя не отметить.
Самым первым произведением Делакруа было «Ладья Данте», которая была выставлена в художественном салоне, но не произвела должного эффекта на публику. Но по прошествии двух лет художник показал в салоне новое произведение, названо им «Резня на Хиосе». Данное полотно описывало войну Греции за независимость. Критики того времени яростно обвиняли великого художника за его чрезмерный натурализм. Но благодаря этой картине молодой художник стал очень известен. Следующая работа, также выставленная в салоне, была не менее жестокой и бросала вызов тем же критикам, которые не могли спокойно смотреть на изображенные ужасы. Это произведение носило название «Смерть Сарданапала».
В 1830 году Париж восстал против Бурбонов и это событие нашло свое отражение в произведениях Делакруа. Живописец был на стороне восставших и поэтому создал картину, которая называется «Свобода, ведущая народ». Произведение еще называют «Свобода на баррикадах». Полотно было выставлено в салоне в 1831 году и вызвало реакцию одобрения у публики. Но правительство, пришедшее к власти, купило эту работу и незамедлительно сняла ее, так как посчитала слишком опасной.
Еще одним художником, работы которого заслуживают внимания исследователей реализма в живописи, является Эдвард Хоппер. Реализм проявляется в позднем творчестве данного художника. Полотна этого живописца нельзя отнести к соцреализму, так как сюжеты не были наполнены оптимизмом и творческим энтузиазмом, наоборот, они показывали страх и безнадежность.
Искусство Хоппера отражает тему, которая была основной в советских фильмах послевоенных лет – тему одиночества. Но и в этом художник ни на кого не похож, так как он рисует сюжеты, где человек остается совершенно один, у которого нету сочувствующего социального окружения. На полотнах изображены обособленными не только люди, но также и дома с улицами. Даже пары на картинах видятся зрителю бесконечно одинокими. В таких союзах мужчины и женщины заметно отчуждение, взаимное недовольство, а также гнев. Это хорошо прослеживается на картине под названием «Вечер в Кейпкоде», на которой двое отдыхают совсем рядом, но при этом не чувствуется их единства, каждый сам по себе. Даже собака, которую подзывает к себе мужчина, совершенно не слушает его, она вместо этого, по выражению Хоппера, прислушивается к зову охоты.
Несмотря на всю безнадежность атмосферы одиночества, живописец сумел найти точку опоры, которая заставляет взглянуть на мир с надеждой. Это видно по тому, как в произведениях изображена природа и солнечный свет, который льется либо из окна, либо падает на них извне. На фоне картин, отображающих холодный электрический луч света, резко выделяются полотна с изображением солнечных лучей, являющихся спасением во тьме.
Произведение Хоппера «Шахтерский город в Пенсильвании», которое описывает бритоголового человека, стоящего на фоне стены, изображает свет неизвестного происхождения. На этой картине, по мнению современников, очень хорошо отображено одиночество человека в век стремительно развивающегося прогресса. Чарльз Берчвилд, который жил в одно время с Хоппером и также являлся художником, отметил, что люди будущих поколений смогут составить более явственный портрет эпохи по картинам данного художника, нежели по всем имеющимся учебникам социальной истории.
Данного художника считают американским живописцем, который внес наибольший вклад в искусство. Отличие Хоппера от большинства реалистов заключается именно в жестком реализме, так как он не включал в картины фантастическое, а изображал ситуацию без какой-либо доли нереального.
Сюрреалист и органическая абстракция Параллельно с развитием геометрического стиля конкретизм, в течение 1920-х и 1930-х годов представители сюрреализма начали для создания ряда фантастических, квазинатуралистических изображений. Ведущий образцы этого стиля Биоморфный / Органический Абстракцией были Жан Арп и Хоан Миро, ни один из которых — как подтверждают их многочисленные подготовительные зарисовки — опирались на технику автоматизма.Их собрат-сюрреалист Сальвадор Дали (1904-89) также написал несколько необычных картин, таких как «». Сохранение памяти (1931, MoMA, NY) и Soft Construction с Вареные бобы (1936, Художественный музей Филадельфии). Жан Арп был также активный скульптор, специализирующийся на органической абстракции, как и Английские скульпторы Генри Мур (1898-1986) и Барбара Хепуорт (1903-1975). (См .: Современные Британская скульптура 1930-70 гг.) Ряд европейских художников-абстракционистов. позже искали убежище в Америке, где они столкнулись и повлияли на новое поколение абстракционистов из коренных народов. Эти влиятельные эмигранты включены такие художники, как Ганс Хофманн (1880-1966), Макс Эрнст (1891-1976), Андре Массон (1896-1987), Аршил Горки (1904-48), Ив Танги (1900-55) и другие. Как получилось, несмотря на разногласия вокруг Оружейной палаты Нью-Йорка Показав 1913 г., в городе развивался живой интерес к абстракции.Музей современного искусства был основан в 1929 году, а Музей беспредметного Живопись (позже переименованный в Музей Самуэля Р. Гуггенхайма), 1939 год.
Аннотация Экспрессионизм — больше цвета, никакой геометрии Хотя послевоенные европейские художники сохранили их интерес к абстрактному искусству через Salon des Realites Nouvelles в Париже к 1945 году центр современного искусства переместился в Нью-Йорк, где авангард был представлен Новым Йоркская школа абстракции Экспрессионизм. Возникнув в результате Великой депрессии и Второй мировой войны, это движение, никогда не связанное с последовательной программой как таковой, возглавлялось Джексон Поллок (1912-56), Марк Ротко (1903-70), Виллем Де Кунинг (1904-97), Клиффорд Стилл (1904-80), Барнетт Ньюман (1905-70) и Адольф Готтлиб (1903-74).Следующее поколение включало художников, таких как Роберт Мазервелл. Название движения придумал Роберт Коутс, искусствовед журнала New Yorker. Ответвления включают действие Поллока Живопись и цвет Ротко Живопись поля »и любопытный« абстрактный импрессионизм »Филиппа. Густон (1913-80). Аннотация Экспрессионистская живопись остается расплывчатым термином — часто применяемым по ошибке. художникам, которые не являются ни по-настоящему абстрактными, ни экспрессионистскими, что описывает форма абстрактной живописи (нефигуративная, ненатуралистическая), в которой цвет имеет приоритет над формой; последнее больше не является геометрическим.Ранние работы в этом стиле обычно заполняли крупномасштабные полотна, чьи Размер был разработан, чтобы ошеломить зрителей и увлечь их в другой мир. Увлечение абстрактных экспрессионистов визуальными эффектами, особенно влияние цвета было отражением их главной цели — привлечь и исследовать основные человеческие эмоции. Таким образом, абстрактная экспрессионистская живопись лучше всего ощущать интуитивно, а не понимать: поставленный вопрос обычно: «что это заставляет вас чувствовать?» — а не «что он говорит?» Следует подчеркнуть, что это был широкий движение, охватывающее различные стили, включая (как уже упоминалось) произведения полу- или неабстрактные, а также охарактеризованные кстати краска наносилась, типа Джексон Картины Поллока (капали и выливались) и картины Виллема де Кунинга работы (жестикуляция).За две интересные ранние работы, иллюстрирующие различные стили этих двух художников, см .: Сидящий Женщина (1944, Метрополитен-музей) Виллема де Кунинга и Pasiphae (1943, Метрополитен) Джексона Поллока. Дело в том, что это был первый крупное художественное движение, зародившееся в США, придало ему дополнительный вес и значение: по крайней мере, в сознании критиков. Позднее абстрактный экспрессионизм породил количество индивидуальных стилей под эгидой Post-painterly абстракция, анти-жестикулирующее направление.Эти индивидуальные стили включали: Жесткая живопись, Живопись цветными пятнами, Вашингтонское движение цвета, Американская лирическая абстракция, и формованный холст. Абстрактный экспрессионизм также вызвал авангардные отклики. от нескольких других художников, включая Сая Твомбли (1928-2011), чьи каллиграфические каракули рисовали по частям, частично-граффити; и калифорнийский скульптор-абстракционист Марк Ди Суверо (р. 1933) известен своими крупномасштабными скульптурами из железа и стали. Европа: Art Informel, Группа ташизма и кобры Гестурализм В Европе появилось новое направление в искусстве, известное как Появился Art Informel в конце 1940-х гг. Рассматриваемый как европейская версия абстрактного экспрессионизма, На самом деле это было зонтичное движение с множеством подвариантов. Эти мини-движения включали: (1) ташизм, стиль абстрактной живописи, отмеченной пятнами и мазками цвета, был продвигается как французский ответ американскому абстрактному экспрессионизму.Ключ влияние оказал авангардный американский художник Марк Тоби (1890-1976), чей стиль каллиграфической живописи предвосхитил что Поллока. Среди важных участников были Жан Фотрие (1898-1964), Жорж Матье (1921-2012), Пьер Сулаж (р. 1919), и португальская художница Мария Хелена Виейра да Силва (1908-92), а также американский реферат экспрессионист Сэм Фрэнсис (1923-94). (2) Авангардная кобра Группа, которая практиковала жестикуляцию или «рисование действия». стиль американского абстрактного экспрессионизма.Его основали художники, скульпторы и графики из датской группы Host , голландские группа Reflex и бельгийская революционная сюрреалистическая группа , в том числе: Асгер Йорн (1914-73), бельгийский писатель Кристиан Дотремонт (1922-79), Пьер Алешинский (род. 1927), Карел Аппель (1921-2006) и Констан (C.A. Nieuwenhuys) (1920-2005). Pol Бери (1922-2005) тоже был участником, но в 1953 году он бросил рисовать, чтобы исследовать кинетическая скульптура.(3) Лирическая Абстракция, более спокойный, гармоничный стиль Art Informel . В число ведущих участников вошли: Волс (Альфред Отто Вольфганг Шульце) (1913-51), Ганс Хартунг (1904-89), Жан-Мишель Атлан (1913-60), Пьер Сулаж (р. 1919), Жорж Матье (1921-2012), и Жан-Поль Риопель (1923-2002). Другие подгруппы включали «Новых сил», и Art. Без рисунков . Op-Art: The Новая геометрическая абстракция Один из самых ярких геометрических стилей. абстрактная живопись, вышедшая из эпохи модернизма, была оп-артом. движение (аббревиатура от «оптического искусства»), отличительной чертой которого было вовлечение глаза с помощью сложных, часто монохромных, геометрических узоры, чтобы он мог видеть цвета и формы, которые на самом деле там.Среди ведущих участников были венгерский художник и графический дизайнер. Виктор Вазарели (1908-97) и английская художница Бриджит Райли (р. 1931). Движение исчезло к началу 1970-х годов. Постмодернист Абстракция С начала постмодернизма (с середины 60-х) современное искусство имеет тенденцию к дроблению на более мелкие, более местные школы. Это потому что преобладающей философией среди движений современного искусства было не доверяют великим стилям начала 20 века.Исключением является Школа минимализма, возвращение к истокам стиль геометрической абстракции на примере постмодернистов художники как скульпторы Дональд Джадд (1928-94), Сол Левитт (1928-2007) Роберт Моррис (р. 1931 г.), Вальтер де Мария (р. 1935 г.) и Карл Андре (род. 1935). Еще один важный скульптор-минималист — Ричард. Серра (р. 1939), чьи абстрактные работы включают Tilted Arc (1981, Federal Plaza, Нью-Йорк) и The Matter of Time (2004, Guggenheim Бильбао).Известные абстрактные художники, связанные с минимализмом, включают рекламу Рейнхардт (1913-67), Франк Стелла (р. 1936), чьи крупномасштабные картины связаны с переплетением кластеры формы и цвета; Шон Скалли (род. 1945), ирландско-американская художница, чьи прямоугольные формы цвета как бы имитируют монументальные формы доисторических построек; а также Джо Баер (р. 1929), Эллсуорт Келли (род. 1923), Роберт Мангольд (р. 1937), Брайс Марден (р. 1938), Агнес Мартин (1912-2004) и Роберт Райман (р.1930). Отчасти реакция на жесткую экономию минимализма, неоэкспрессионизм был главным образом образным движением, которое возникла с начала 1980-х годов. Однако он также включал номер выдающихся художников-абстракционистов, таких как англичанин Виннер Ховард Ходжкина (р. 1932), а также немецких художников Георга Базелиц (р. 1938), Ансельм Кифер (р. 1945) и др. Среди нескольких других всемирно известных художники-абстракционисты, добившиеся признания в 1980-х и 1990-х годах, британский скульптор Аниш Капур (р.1954), отмечен масштабными работами из грубого тесаного камня, литого металла и нержавеющей стали. И Ходжкин, и Капур — обладатели премии Тернера. Коллекции абстрактного искусства Нерепрезентативное искусство можно увидеть в большинство лучших художественных музеев мира. Известные коллекции принадлежат следующие учреждения • Музей
современного искусства (MoMA), Нью-Йорк. |
Статья / Абстрактное искусство — это не искусство и определенно не абстрактное Фред Росс
Абстрактное искусство — это не искусство и определенно не абстрактное
Фред Росс
То, что что-то вызывает у вас чувство эстетической красоты, не делает это произведением искусства.
Произведение искусства — это выборочное воссоздание реальности с целью передачи некоторого аспекта того, что значит быть человеком или того, как мы воспринимаем мир.
Величайшие произведения исследуют красоту или трагедию жизни. Самая глубокая и универсальная из человеческих эмоций, неподвластных времени, которые могли возникнуть в древнем прошлом и будут пережиты снова в далеком будущем. Тот же самый предмет исследуется в величайших стихах, романах и пьесах. Наши надежды, наши мечты, наши страхи.Ревность, жадность, похоть, амбиции, травмы от предрассудков, войны и даже просто взросления. Жестокость, возможная по отношению к человечеству, а также его сострадание и идеализм.
Затем возьмите одну или несколько из этих тем, дайте ей выражение мастерскими навыками, выкованными на высочайшем уровне подготовки, основанном на многовековых систематизированных знаниях этого ремесла. И все это объединено совершенством композиции, дизайна, рисунка, моделирования, перспективы, тона, цвета, света, атмосферы и обработки краски.
Это описание произведений искусства.
Но, стоит повторить, в природе есть множество красивых объектов или сцен, которые эстетичны, но сами по себе не являются произведениями искусства:
- Лепестки роз, плавающие в тазу.
- Волны разбиваются о берег.
- Капля росы на цветке.
- Капля крови на белом листе бумаги может показаться красивой и интересной на мгновение (как картина Ротко).
Это все вещи, которые мы могли бы испытать в реальности, и которые на самом деле имеют эстетический эффект.Но это не искусство. Искусство — это выборочное воссоздание реальности с целью выражения идеи. Художник берет элементы реальности и перестраивает их таким образом, чтобы сделать воспринимаемыми идею, концепцию, впечатление от мира. Другими словами, выбор делает художник, человек, а не природа и не случайность.
Сцены или объекты, упомянутые выше, осязаемы и доставляют удовольствие здесь и сейчас и в воспоминаниях. Но реальный мир или мир природы просто есть.Наш опыт в этом может стать материалом для произведений искусства, если они будут тщательно отобраны и расположены со всей утонченностью и мастерством, полученными за годы обучения, мастерства и обучения.
Но разве «абстрактная» картина Марка Ротко или Джексона Поллока не осязаема так же, как в приведенных выше примерах? Подойдите ближе к модернистской картине, и некоторые пятна краски и цветные пятна станут красивыми. Посмотрев на них достаточно долго, вы даже можете убедить себя, что в них есть что-то значимое, например, тест чернильных пятен Роршаха.Но ни капля краски, ни тест Роршаха не являются произведением искусства и не имеют по-настоящему смысла. Они вообще не предназначены для интерпретации как выборки реальности. Со времен Клемента Гринбурга модернистские критики всегда говорили о них как о «кусочках» реальности, как если бы они имели собственное возвышенное эстетическое существование.
Обычно современную «абстрактную» картину описывают как «картину о самой краске». Его предмет — краска или формальные принципы живописи.Первое утверждение бессмысленно: сказать, что картина посвящена краске, — все равно что сказать, что стихотворение посвящено алфавиту. В стихотворении используется алфавит для обозначения слов, которые, в свою очередь, могут использоваться для передачи знаний или выражения идей. Второе утверждение столь же банально. Картина, «посвященная» ее формальным принципам, опять же, подобна стихотворению о рифме, о звукоподражаниях или о пентаметре ямба. Другими словами, это искусство как пазл самого низкого порядка. Бесконечная псевдоинтеллектуальная игра, слегка завораживающая своей бесполезностью — как кубик Рубика.Иногда даже весело играть — в шутку — потому что это позволяет задействовать части мозга, отвечающие за распознавание образов. По этому определению кубик Рубика, вероятно, является самым успешным произведением современного искусства в мире — он относится только к себе, имеет сакральную кубическую форму и покрыт большим количеством цветных квадратов, чем кубик Мондриана.
Если бы искусство когда-либо было связано с такой мозговой игрой с формальными принципами, оно умерло бы утомительной смертью тысячелетия назад. Но это то, что модернистские критики хотят, чтобы мы поняли, и есть «абстрактное» искусство.
Ребята, я хочу отметить, что у слова «абстрагирование» есть несколько значений. Модернисты пытались объединить два важных значения этого термина в одно, чтобы поддержать свои (как мы видели выше) смехотворные утверждения. Для модернистов «абстрактный» означает «беспредметный», «непредставительный» или «нефигуративный». Для них абстрактное означает то, что не имеет никакого значения вне себя. В самом прямом смысле «абстрактное» современное искусство на самом деле бессмысленно. С точки зрения современного критика, чем он бессмысленнее («абстрактнее»), тем лучше.Это не означает, что некоторые «абстрактные» формы или капли краски не могут быть эстетически приятными. На масляное пятно приятно смотреть под прямым углом — будь то лужа или подготовленный холст. Но они не могут сказать, что «абстрактное» современное произведение значимо в каком-либо реальном смысле. Что бы это ни было, капля краски или цветной блок — не больше и не меньше.
Но на самом деле это вымышленное значение термина «абстрактный». Настоящее значение этого термина, которое модернистские критики систематически пытались исказить, состоит в том, что абстракция заменяет что-то, другими словами, когда она что-то представляет, как форму коммуникации.Слово «гвоздика» — это абстракция от рода ботанических объектов реального мира. Другими словами, обозначают места, людей, предметы, цвета, текстуры, чувства и идеи. Но никто не думает, что печатное слово «гвоздика» — это цветочная гвоздика; или печатное слово «любовь» — это переживание, называемое любовью. Это словесная абстракция для тех вещей или опыта в реальном мире. Эти абстракции потенциально значимы, потому что относятся к вещам; сложите их вместе в правильном порядке, и эти абстракции, которые мы называем словами, могут превратиться в научные трактаты или лирические баллады.Это выразительное намерение, художественное оформление реальности с целью придания идеи в сознании художника конкретной реальности, что делает эти абстракции подходящими посланниками для искусства.
В этом смысле слова являются как абстракциями, так и представлениями. В самом деле, сама деятельность по представлению чего-либо — это процесс абстракции. Вопрос в том, в чем смысл или ценность представления. Стихотворение, в котором «о» рифмуются бессмысленные слова, не является большим вкладом в культуру.Точно так же в живописи настоящее искусство — это когда художник может взять плоский холст и с помощью краски и кистей создать абстрактное воссоздание реальности, сформированное непревзойденным мастерством и поэтической душой. Настоящее искусство передает или выражает убедительные истории об одиссее человеческой жизни; все лиги, которые он прошел, все земли, которые он посетил — некоторые страны странные и экзотические, другие в наших собственных садах и полях. Хотя художник — творец, а его миры — нарисованные или вылепленные из снов, он живет в природе, мечтает о ней и надеется, что из его руки будет запечатлено что-то из ее красоты.
Шансы художника создать успешную абстракцию (или репрезентацию) значительно увеличиваются, если у него есть некоторые знания и понимание того, на что он обращает свой взор. Любой художник, который отвергает помощь анатомического исследования, отливки рисунков или тщательного исследования живой формы в сотнях исследований углем, мало чем отличается от поэта, который поднимает эпическую тему, такую как осада Трои или Падение, уклоняясь от всего. чтение истории, мифологии и наблюдение за человеческой природой, необходимое для создания чего-то прочного.Модернист может заявить, что ни в одном из этих обширных чтений или размышлений на самом деле нет необходимости — поэт может просто интуитивно все это представить, вызвать в своем воображении. Но воображение не работает ex nihilo, из ничего. Как и наши мечты, он основан на жизненных вещах: наших историях, наших действиях, наших страстях, предательствах, жертвах, актах любви и злых умыслах. Наше воображение чревато абстракциями — но эти абстракции происходят из реального мира, от человечества, от природы.
Следовательно, в искусстве нет более успешных абстракций, чем те сны на холсте, которые сотворили Микеланджело, Боттичелли, Тициан, Рембрандт, Рубенс, Вермеер, Уильям Бугро, Джон Уильям Уотерхаус или сэр Лоуренс Альма-Тадема.
Все эти старые мастера успешно воспользовались высококвалифицированными навыками и зрелым умственным видением и использовали масла, пигменты, холст и кисти для создания концепций человеческой жизни, составили и разработали многочисленные элементы, взятые из материальных, конкретных объектов из реального мира.Они поместили их рядом, чтобы выразить свои идеи, и использовали полностью развитые навыки, чтобы рисовать, моделировать, раскрашивать цветом, тоном, светом и атмосферой, используя свои материалы для воссоздания воображаемой сцены из реальности (или мечты, или фантазии, или мифа). что они удачно абстрагируются в каменном блоке или куске натянутого холста.
Люди, которые брызгают краской на холст красивыми узорами или кистью кистью в эстетически приятных цветовых сочетаниях, не делают ничего абстрактного.Они просто наносят небольшие осязаемые капли краски, которые вообще ничего не заменяют.
Я искренне верю, что люди получают чувство эстетического удовольствия от некоторых своих творений. Но на самом деле это не произведения искусства. Самое красивое из их цветовых полей не может сравниться с полем первоцветов. Они не являются произведениями искусства, какими бы красивыми они ни были, потому что в них нет настоящих абстракций, нет значимых выделений природы, нет большой активности ума.Они могут красиво смешивать цвета, как им заблагорассудится (большинство из них стремятся к уродству), но без отбора, основанного на знании форм реального мира, они не создают произведений искусства — и они не художники.
В лучшем случае они мастера, с низкими навыками и без методической подготовки. Беспристрастно спросите себя: какая туманность Ротко или рисунок Поллока прекраснее персидского ковра, яйца Фаберже или даже тонко вырезанной рамы для картин? Создатели этих трех предметов — мастера, но даже они не являются прекрасными художниками.Какое место занимают легионы модернистских мазальщиков, клеветников и клеветников?
Интенсивные связи с общественностью и образовательная обработка людей, получивших степень бакалавра, магистра или доктора наук после их имен, создают сильное человеческое принуждение просто идти своим чередом. Все эти авторитеты говорят нам, что эти капли и слякоть — великие произведения искусства. Мы все уязвимы, особенно в молодости, перед страхом перед престижем. На какое-то время некоторые из нас могут прийти к выводу, что наш долг — принять прокламации этих властей.Если мы не понимаем, мы виним собственное невежество — альтернатива для многих слишком отвратительна, чтобы думать о ней.
Итак, мы изо всех сил стараемся увидеть то, что нам говорят. И довольно скоро, как и Полоний, мы видим верблюда, ласку и кита в одном облаке.
После того, как мы привыкли повторять словоблудие, которое мы стесняемся «видеть», мы вскоре начинаем находить «лучшие» или «худшие» версии тех брызг и капель, которые, можно сказать, прекрасны — чтобы нас не унижали или пренебрегали это группа наших сверстников или учителей.
Есть ли другие в толпе притворяться? Или они притворяются не потому, что действительно поверили тому, что говорят? Люди склонны яростно защищать свои убеждения только после того, как перестают задавать вопросы. В них вкладывается эго. Если мы «видели свет» с Пикассо, Поллоком, ДеКунингом и Хоффманом и много раз их хвалили, становится трудно отвергнуть то, с чем мы соглашались в прошлом. Мы уступаем силу независимого мышления ценителям вкуса: шикарным критикам и кураторам в мире модернистского искусства.
Со временем наши представления о современном искусстве могут даже стать символами нашего образа жизни. Подобно национальному флагу или религиозной иконе, простое звучание имени «Пикассо» или «Матисс» вызывает в воображении ауру высокого искусства и культуры. Они становятся религиозными иконами, истинная ценность которых мы давно не осознаем, и которые действуют как символы культуры, которую необходимо защищать любой ценой. Теперь защита веры благородна, но только тогда, когда вера основана на реальности. Модернизм направлен на подрыв тех очень объективных стандартов, по которым мы можем судить и проверять наши убеждения.Борьба за модернизм не является революционной, авангардной или прогрессивной. Это просто отрезание философской ветви у вас из-под ног. Это вывод ваших аргументов и убеждений за пределы поля, на котором их можно объективно измерить, обсудить или оценить.
Я не могу сказать, где в этой истории вы или другие можете поместиться, когда вы смотрите на Ротко или Поллока. Но маловероятно, что если вам удастся снять повязку на вложения эго, вы в конечном итоге не увидите, что даже лучший Ротко, использующий самые чудесные цветовые сочетания, когда-либо сможет сравниться с Рембрандтом.И вы поймете, что настоящие шедевры «абстрактного» искусства созданы не Ротко, Поллоком или ДеКунингом — это лучшие мастера традиционного реализма в истории.
Василий Кандинский Живопись, биография, идеи
Краткое изложение Василия Кандинского
Один из пионеров абстрактного современного искусства, Василий Кандинский использовал вызывающую воспоминания взаимосвязь между цветом и формой, чтобы создать эстетический опыт, который задействовал зрение, звук и эмоции. публика. Он считал, что полная абстракция дает возможность для глубокого трансцендентального выражения и что копирование с природы только мешает этому процессу.Вдохновленный созданием искусства, которое выражало универсальное чувство духовности, он разработал новый живописный язык, который лишь слабо связан с внешним миром, но выразил много о внутреннем опыте художника. Его визуальный словарь развивался через три фазы, переходя от его ранних репрезентативных полотен и их божественного символизма к его восторженным и оперным композициям, к его поздним, геометрическим и биоморфным плоским цветам. Искусство и идеи Кандинского вдохновляли многие поколения художников, от его учеников в Баухаусе до абстрактных экспрессионистов после Второй мировой войны.
Достижения
- Живопись была, прежде всего, глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубокую духовность и глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, выходящих за пределы культурных и физических границ.
- Кандинский рассматривал беспредметное абстрактное искусство как идеальный визуальный способ выражения «внутренней необходимости» художника и передачи универсальных человеческих эмоций и идей. Он считал себя пророком, чья миссия заключалась в том, чтобы поделиться этим идеалом с миром для улучшения общества.
- Кандинский рассматривал музыку как наиболее трансцендентную форму беспредметного искусства — музыканты могли вызывать образы в сознании слушателей просто с помощью звуков. Он стремился создавать такие же беспредметные, духовно богатые картины, намекающие на звуки и эмоции через единство ощущений.
Биография Василия Кандинского
Модернистская абстракция не могла требовать более харизматичного и дальновидного теоретика, чем Кандинский — высшие идеалы, которые он преследовал в своих многочисленных путешествиях и дружбе.
Абстрактные картины объединяют человеческую форму с геометрическими фигурами
В большинстве случаев наблюдение за картиной похоже на просмотр снимка определенного момента времени. Но не для Эрика Пауза; художник из Онтарио пытается запечатлеть как можно больше моментов в своих ярких фигуративных картинах. Подобно итальянским футуристам, которые хотели синтезировать время, место и форму, его работа передает движение и время через абстрактные формы, перекрывающие друг друга.
«Основная тема моих картин — это сочетание человеческого опыта и прошедшего времени», — объясняет Пауза в My Modern Met.«Я не начинаю с представления о том, как будет выглядеть законченная картина. Я обычно начинаю с идеи, какую эмоцию или историю я хочу передать в готовой картине, и отталкиваюсь от этого. Будь то любовь, беспокойство, скука, эйфория и т. Д. Мы все знаем, что они чувствуют, и цель состоит в том, чтобы попытаться изобразить эти чувства с помощью языка тела. Мы надеемся вызвать у зрителя личные воспоминания, а не заставлять картину диктовать конкретное повествование ».
Используя массив геометрических фигур, Pause отображает фигуры как в активном, так и в пассивном состоянии, обычно одновременно.Его ограниченная цветовая палитра, состоящая из синего, оранжевого и белого цветов, подчеркивает фрагментарность композиции и создает единство между разными акриловыми картинами. «Я разработаю несколько основных частей изображения, а затем поработаю, чтобы объединить их таким образом, который мне кажется правильным — это много смещения форм, линий и тонов до тех пор, пока изображение не попадет в нужное место», — продолжает он. «Что-то вроде головоломки со слайдами или кубика Рубика».
Вы можете купить ограниченное издание скриншотов с работ Пауза на его веб-сайте и быть в курсе его последних работ, подписавшись на художника в Instagram.
Художник из Онтарио Эрик Пауза создает поразительные фигуративные картины с использованием геометрической абстракции.
Он пытается передать течение времени через эти фрагментарные композиции.
Эрик Пауза: Веб-сайт | Instagram
My Modern Met предоставил разрешение на размещение фотографий Эрика Пауза.Статьи по теме:
Художник переосмысливает величественные горные пейзажи в виде многоугольников, украшенных драгоценными камнями
Силуэты картин раскрывают пышные «внутренние пейзажи» нашего разума
Выразительные картины маслом подчеркивают внутренние мысли и эмоции с помощью шквала мазков
Реализм против абстрактного искусства — в чем разница?
На протяжении всей истории человечества в художественном сообществе было множество движений, на которые оказали влияние художники и их стремления к созданию произведений, передающих широкий диапазон значений.
В течение последних нескольких сотен лет две специфические формы художественного выражения доминировали в различных стилях во всем мире — реализм и абстрактное искусство.
Поскольку люди стали более продвинутыми тысячи лет назад и начали лучше изображать окружающий их мир более точным образом, большое значение придавалось способности художника создавать картины, очень похожие на то, как на самом деле выглядел их предмет.
Эта концепция менялась в разной степени на протяжении веков вплоть до эпохи Возрождения, и всеобъемлющая тема художественных движений, основанных на реализме, постепенно перешла на новые и неизведанные направления, уступившие место абстрактному экспрессионизму.
На первый взгляд неподготовленный глаз мог бы рассматривать реализм как более заметный способ самовыражения и более значимый способ изображения окружающего нас мира, но именно абстрактное искусство получило больше похвал от искусствоведов и энтузиастов за свои способности. чтобы привлечь зрителя и по-настоящему вызвать глубокие размышления по поводу конкретного произведения.
Реализм против абстрактного искусства
Основное различие между Realism и Abstract art заключается в том, что реализм представляет реальный мир и как он правдиво наблюдается по сравнению с абстрактным искусством, которое не имеет реальной композиции и отделяет себя от предмета.
Более глубокий взгляд на движущие факторы, лежащие в основе реализма и абстрактного искусства, раскрывает общую цель художника и то, как каждый стиль выражения может вызывать определенные инстинктивные реакции и эмоции у зрителей.
Истоки реализма
На протяжении тысячелетий люди работали над тем, чтобы лучше изобразить мир вокруг них. От самых ранних грубых картин в пещерах до замечательных шедевров итальянского Возрождения концепция реализма была движущим фактором для художников при создании работ, которые в основном предназначены для того, чтобы зритель имел возможность оценить естественную красоту природы. мир вокруг них.
Движение реализма зародилось во Франции примерно в середине 19 века и было сосредоточено на художниках, изображающих мир вокруг себя как можно точнее.
. До этого времени художественные движения во всем мире, особенно в Европе, состояли из художников, которые работали над изображением различных исторических событий и даже религиозных деятелей таким образом, чтобы приукрашивать или обозначать более высокое чувство божественности и важности.
Также читайте: Натурализм против искусства реализма
Тип преувеличения, который использовался в веках около Возрождения, был предназначен, в значительной степени, для дальнейшего подчеркивания важности самого предмета и идеи о том, что люди могут попытаться уловить лишь небольшую часть великолепной и невообразимой природы Бог или другие божественные существа, которые не могут быть замечены людьми.
Многие художники тяготели к изображению религиозных деятелей и сюжетов таким образом, чтобы подчеркнуть природу их собственной веры в сверхъестественное.
Позже, в 1800-х годах, художники начали отходить от школы мысли, согласно которой повседневные, мирские взаимодействия в жизни не совсем достойны того, чтобы их изображали руки выдающихся и талантливых художников.
Многие художники этой эпохи начали создавать работы, изображающие окружающий их мир и многие аспекты жизни, которых долгое время избегали, когда дело доходило до того, чтобы сделать эти реалистичные сцены предметом их работ.
По мере того, как художественное движение реализма формировалось, оно стало новым и интересным способом для художников поделиться тем, как выглядит мир, с другими, у которых, возможно, не было возможности выйти далеко за пределы своей родной деревни или страны.
Определение реализма
Реализм — это направление в искусстве, которое некоторые искусствоведы и историки часто называют натурализмом. Он появился для художников как средство аккуратного и беззастенчивого создания работ, отражающих мир вокруг них в том виде, в каком он существовал на самом деле, — концепция, которая до сих пор никогда не изучалась во всех подробностях.
Также читайте: Социалистический реализм
Основополагающее чувство реализма преобладало в той или иной форме в течение многих лет до того, как настоящее движение действительно началось в 19 веке.
С самого начала художники реализма работали над изображением пейзажей, городов и различных людей, занимающихся повседневной жизнью или участвующих в социальных взаимодействиях, которые подчеркивали более восхитительную природу человечества.
Однако по мере роста движения оно превратилось в средство для художников запечатлеть и изобразить определенные случаи и проблемы в странах, где люди жили в чрезмерно суровых условиях, в то время как власть имущие, казалось, вели гораздо менее напряженное существование.
Реализм стал средством для художников выступать в качестве активистов в выявлении суровых условий или определенных вещей, которые происходили в их собственных странах и других странах, и использовать свои картины, чтобы выявить эти несправедливости в попытке исправить их каким-либо образом или Другая.
На протяжении многих лет, с тех пор как реализм впервые появился как художественный стиль, многие художники и другие художники строго придерживались принципов создания работ, очень похожих на то, что невооруженный глаз видит в действительности.
Появление абстрактного искусства
По мере того, как стиль реализма продолжал распространяться в различных частях мира и побуждать художников искать новые и улучшенные способы изображения окружающего их мира природы, другие художники и художники искали новый способ представления объектов, фигур и других сцен. из реального мира таким образом, что это вызвало новый уровень воображения и признательности как у зрителя, так и у художника.
Концепция абстрактного искусства представляет собой явное отклонение от естественного внешнего вида любой конкретной вещи и попытку исследовать различные элементы, которые эстетически приятны для глаз и заставляют задуматься.
Абстрактное искусство использует множество изображений и визуальных представлений, которые в основном нацелены на отображение реальности новым способом, который имеет более глубокую связь с человеческим разумом, эмоциями и духом.
Абстрактное искусство существует во многих различных формах, и есть несколько художников, которые действительно придерживаются строгого смысла руководящих принципов или правил, когда дело доходит до того, как они предпочитают изображать то, чем они собираются поделиться со зрителем.
Это форма искусства, которая гораздо более либеральна по своей способности позволять исследовать цвета, формы, восприятие и многие другие элементы, которые четко определены в мире природы.
Есть много разных способов, которыми художники работали и исследовали абстрактные элементы живописи, рисунка и других форм выражения.
Некоторые художники в Азии в 13 веке создавали произведения, которые были очень абстрактными по своей природе, но о них очень мало что известно, кроме периода времени, в котором они были созданы, и художника, который нарисовал или нарисовал их.
Основные различия в реализме и абстрактном искусстве
Художники движения реализма были известны тем, что гордились созданием произведений, поистине захватывающих дух своей способностью максимально приближать реальный мир и запечатлевать определенные сцены, полные деталей и совершенные элементы композиции, восприятия и других аспектов.
Общая тема для большинства художников-реалистов — изобразить предмет своих работ таким образом, чтобы вызвать трепет у зрителей, которые, как они надеялись, оценят чрезвычайно сложную природу живописных работ, которые кажутся реальными.
Хотя реализм — это художественное направление, которое в большинстве случаев мало что оставляет для воображения, художникам может быть сложно передать различные основные смыслы в своих произведениях так, как это может делать абстрактное искусство.
Реализм можно оценить на многих уровнях, поскольку он часто нацелен на то, чтобы быть удивительно реалистичным, но художник-реализм может связать свою общую эмоциональную или ментальную реакцию на такую сцену так, как это могут сделать художники-абстракционисты. способами.
Когда дело доходит до абстрактного искусства, художники часто создают работы, которые неопытному глазу иногда трудно различить, какой тип объекта, фигуры или сцены на самом деле изображен.
Однако, используя различные смелые и насыщенные цвета, меняющиеся точки зрения и многомерные представления, абстрактные художники часто могут передать общее чувство эмоций или мыслительного процесса своему зрителю таким образом, с которым реализм просто не может сравниться.
Абстрактное искусство — это простое представление абстрактных концепций с использованием часто простых изображений и изображений.
Некоторые абстрактные картины на первый взгляд могут показаться простыми по своей природе, но более тщательный и тщательный обзор самой работы часто обнаруживает большее чувство эмоциональной связи между художником и его психологическим или эмоциональным состоянием и его способностью передать это. зрителю.
Выдающиеся художники реализма и абстрактного искусства
Реализм в той или иной форме существует уже много веков.Период Возрождения был наполнен художниками, которые гордились тем, что рисовали сцены из иудео-христианской Библии с обновленным чувством реализма, которое воплотило в жизнь истории и учения христианской религии так, как никогда раньше.
Такие художники, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и другие, как известно, потратили много времени на изучение окружающего мира, а также человеческого тела, пытаясь изобразить свои работы как можно более реалистично.
По мере формирования движения реализма такие художники, как Жан-Батист-Симеон Шарден и Диего Веласкес, подняли концепцию реалистической живописи на новую высоту и создали произведения, которые были захватывающими по любым стандартам.
Многие из наиболее выдающихся произведений движения реализма были настолько реалистичны, что выглядели как фотографии, вычеркнутые из истории.
Когда дело доходит до абстрактных работ, есть разные степени живописи, которые в то или иное время были заметны.Такие направления в искусстве, как сюрреализм, кубизм и многие другие, были стилями, которые во многих случаях можно проследить до абстрактных идеалов.
Многие из самых выдающихся художников этих движений, такие как Сальвадор Дали, Пабло Пикассо и другие, считаются одними из величайших мастеров, которых когда-либо видел мир.
Реализм против абстрактного искусства сегодня
И реализм, и абстрактное искусство существуют сегодня почти так же, как и на протяжении веков. Есть разные художники, которые стремятся глубже погрузиться в глубины человеческой психики, когда дело доходит до абстрактного художественного выражения.
Это делается с помощью многих других художественных средств, таких как живопись, фотография и даже видеосъемка. Основное значение и намерение абстрактного искусства остается во многом таким же, каким оно было, когда оно зародилось в начале 19 века в Европе.
Реализм также очень популярен, как и прежде, среди художников, которые все больше и больше стремятся создавать работы, очень похожие на реальный мир вокруг них.
Некоторые художники могут с помощью фотографии и других современных средств создавать работы, которые являются гиперреалистичными практически во всех смыслах.
Реализм и абстрактное искусство так же популярны, как и прежде, и, похоже, останутся таковыми в обозримом будущем.
150 известных картин, биографии и цитат Пикассо
Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с наиболее отчетливым стилем и стремлением к художественному творчеству.До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.
Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников ХХ века.
Способность Пикассо создавать работы в удивительном разнообразии стилей снискала ему уважение еще при жизни. После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников снизились. выросли. Без сомнения, ему суждено навсегда вписаться в ткань человечества как один из величайших художников всех времен.
Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является одним из основателей всего кубистского движения.Кубизм был авангардным движением, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу. Предметы и объекты в кубизме разбиты на части и перестроены в абстрактной форме. В течение периода примерно с 1910-1920 гг., когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновило на создание таких ответвлений, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.
Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавторство в изобретении стиля коллажного искусства. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств. Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике путем физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом отлить, обычно в трех измерениях.Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптурных композиций. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.
Каждый акт творения — это прежде всего акт разрушения », — Пабло Пикассо.
Ранние годы Пикассо
Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родственники.Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первыми словами было попросить карандаш. В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых изображений. фигурные модели и гипсовые слепки.
В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором.Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать. Хотя картины Руиса, кажется, все еще создавались годами позже, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.
Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в 13 лет.В возрасте 16 лет его отправили в главную художественную школу Испании в Мадриде — Королевскую академию Сан-Фернандо. Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он заполнял свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.
Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более исчерпывающий отчет о его развитии, чем, возможно, любой другой. художник.При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры. Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».
Его техника реализма, столь укоренившаяся в его отце и его детских исследованиях, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями.Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция. Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственное дело, чтобы согреть квартиру.
Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью раскрыл сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющее план работ.
Голубой период (1901-1904)
Мрачный период, в течение которого Пикассо лично испытал бедность и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется картинами, по сути, монохромными картинами в оттенках синего и синего. сине-зеленый, лишь изредка согреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства, завершается мрачной аллегорической картиной La Vie.La Vie (1903) изобразил душевные муки своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.
Период Розы (1904-1906)
В соответствии с названием, когда Пикассо, казалось, нашел небольшую долю успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более веселый период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривыми миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.
Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда также была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.
Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину », — Пабло Пикассо.
Влияние Африки (1907-1909)
Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, состоявшаяся в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году.Хотя раньше он был знаком с Сезанном, только на ретроспективе Пикассо испытал на себе все влияние его художественных достижений. В работах Сезанна Пикассо нашел модель того, как выделить существенное. с натуры, чтобы получить связную поверхность, которая выражает уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры стала оказывать сильное влияние на европейские народы. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.
Les Demoiselles d’Avignon — первый шедевр Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских, расколотых плоскостей, и лицами, вдохновленными иберийским. скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется, выступает вперед зубчатыми осколками; Яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу квартиры. двухмерная картинная плоскость.
Когда впервые появился Les Demoiselles d’Avignon , мир искусства словно рухнул. Полностью отказались от известных форм и представлений. За это ее назвали самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в картине, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи развиты этот период ведет непосредственно к следующему периоду кубизма.
Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло быть, и спросил, почему бы и нет ».
— Пабло Пикассо
Кубизм (1909-1919)
Это было слияние влияний — от Поля Сезанна и Винсента Ван Гога до архаического и племенного искусства, — которое побудило Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. примерно в 1907 году. И они в конечном итоге направили его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и основывался на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают комбинацию или синтез форм в картине. цвет очень важно в форме предметов, потому что они становятся больше и декоративнее.Неокрашенные предметы, такие как газеты или табачные обертки, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Эта техника коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос о том, что есть реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению изображений, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.
Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура
Обладая непревзойденным мастерством и мастерством, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период поклонения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и раскрашивал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была всего лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал объединять свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистические. такие шедевры, как «Герника» (1937), безумное и мастерское сочетание стиля, олицетворяющее отчаяние войны. Guernica считается самым мощным антивоенным утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращению войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом стиле. или романтические отношения. Ключевые фигуры — женщина с распростертыми руками, бык, агонизирующий конь — уточняются в эскизе за эскизом, затем переносятся на вместительное полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный Цветная и монохромная тема использовалась для изображения тяжелых времен и страданий, которые были перенесены. Герника бросает вызов представлениям о войне как о героическом и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или живописью, но и оставались очень мощной политической картиной в современном искусстве, с которой конкурировали несколько фресковых картин мексиканского художника. Диего Ривера.
Последние годы
Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины — более выразительными и красочными. Ближе к концу карьеры Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, в том числе Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Среди его наиболее заметных работ — «Резня в Корее». после Гойи, «Менины» после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения по-прежнему имеют влияние в мире искусства; и, фактически, благодаря видению и особому творческому стилю, они по-прежнему являются одними из самых инновационных произведений, представленных в мире искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.
Влияние Пабло Пикассо
Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников за всю историю.Леонардо да Винчи 20 века, истинное величие Пикассо и значение заключается в его двойной роли одновременно революционера и традиционалиста. Он был уникальным в 20 веке, с одной стороны, он был способен на радикальные инновации, а с другой — на продолжение традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также несомненно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера охватила более 78 лет, в течение которых он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо считался и остается фокусник писателей и критиков, метафора, которая улавливает как художника, способного трансформировать все вокруг себя одним прикосновением, так и человека, который также может трансформировать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать.
Как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой степени широко известной или продемонстрировал такую невероятную многогранность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и его полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Теперь известный как отец современного искусства, оригинальность Пикассо затронула всех крупных художников и художественных течений, последовавших за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и творчество продолжают привлекать бесчисленные научные интерпретации и привлекать тысячи последователей по всему миру.
ТЕМЫ: Абстракция
Все искусство абстрактно. Это знак чего-то еще — истории, пейзажа, события, идеи. Независимо от того, является ли искусство двухмерным, скульптурным или концептуальным, оно требует от нас использования абстрактного мышления для его понимания. По тому же правилу все Искусство на каком-то уровне концептуально. Идея скрывается за произведением искусства.
«Мы должны помнить, что изображение, прежде чем стать боевым конем, обнаженной женщиной или рассказывать какую-то другую историю, по сути представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, расположенными в определенном узоре»
Все искусство является абстрактным, и в искусстве можно увидеть абстрактные ценности, которые мы не считаем связанными с абстракцией.
Искусствовед Мэтью Коллингс обсуждал использование геометрических абстрактных композиций в искусстве эпохи Возрождения и модернистском абстрактном искусстве. В этой картине Беллини использует геометрию для создания своей композиции. Он использовал несколько треугольников для построения композиции.
Мадонна — это большой треугольник, занимающий всю композицию.
Внутри этого треугольника есть три меньших треугольника.
Казимир Малевич ‘Супрематизм с синим треугольником и черным квадратом’ 1915
Картина Малевича о супрематизме казалась революционной в то время — и так оно и было.Кажется, это не имеет ничего общего с прошлым и представляет собой действительно новый вид искусства. Однако модернистов очень интересовало искусство использования геометрии в прошлом.
«Это старое использование чистой геометрии, в котором очень заинтересованы новые» —
«визуальная традиция для будущего художника рисовать»
Коллингс
Фигуративное искусство объединяется абстрактными ценностями, а абстрактное искусство использует традиционные идеи.
У людей всегда были стилизованные и абстрактные изображения.Однако в западном искусстве преобладают фигуративное искусство и стремление к реализму. Модернизм отошел от фигуративности, и в ХХ веке преобладала абстракция и вопросы о том, что такое искусство и чем оно могло бы быть.
Художники-модернисты 20-го века продолжали раздвигать границы искусства.
Анри Матисс слева направо «Сзади I» 1908–1909, «Сзади II» 1913, «Сзади III» 1916, «Сзади IV» 1931 г. Бронза
«Я лепил как художник, я лепил не как скульптор.Скульптура не говорит того, что говорит картина ».
Более 20 лет Анри Матисс, известный прежде всего как художник, возвращался к той же теме — женской спине. Однако каждый раз форма упрощалась. Несмотря на то, что фигурка сделана из бронзы, Матисс все еще работает как Художник. Работа больше похожа на рельеф, чем на скульптуру — фигура выходит из скалы. В первой скульптуре 1908–09 годов мы можем видеть изгибы и контуры фигуры и ощущать физическую человеческую форму перед собой.Спустя пять лет мы все еще можем ясно видеть фигуру, но изогнутые линии становятся более прямыми и резкими. Когда Матисс приближается к скульптуре в третий раз, происходит более драматический сдвиг. Позвоночник, тонкая линия на его первоначальной скульптуре, становится жирной центральной линией, которая удерживает фигуру вместе. Он был объединен с головой и волосами из первоначальной формы, чтобы стать доминирующим присутствием. К окончательной скульптуре форма была приведена почти к абстрактному состоянию, сохранив качество детского рисунка.Фактически последняя скульптура имеет те же качества, что и поздняя работа Матисса — его «Вырезки». Художник-модернист Пит Мондриан разделил живопись на основные компоненты — вертикальные линии, горизонтальные линии, черный, белый и основные цвета. Его зрелые картины полны золотых прямоугольников, и они не имеют отношения к миру — естественный вывод из этого — чистая белая картина.1908
1918
1923
Однако развитие Мондриана этого высокого модерна началось с картин реальных вещей из реального мира.Когда Мондрейн увидел работы кубистов в Париже в 1911 году, его стиль начал меняться. Деревья были постоянной темой в творчестве Мондриана в период с 1900 по 1914 год. Сначала он начал с пейзажей, но постепенно сосредоточился на отдельных деревьях. Ветви превратились в сплошные линии, разделявшие пустое пространство (небо). Изображения стали более абстрактными с упрощенными плоскостями, линиями и цветами. Дерево становится почти каркасом для картин, которые помогли организовать пространство внутри композиции.Витраж Тео ван Дусбург в Драхтене
Этюды Тео ван Дусбурга для его Великой пасторальной сцены и его цветной набросок для Малой пасторальной сцены в Драхтене показывают художественный процесс абстракции.Изменяющаяся фигура Сеятеля шаг за шагом показывает, как ван Дусбург превращал фигуру в геометрические формы. Рисунок был основан на знаменитой картине Ван Гога «Сеятель», основанной на картине Милле. На начальных эскизах ван Дусбург стилизует фигуру и постепенно разлагает ее на отдельные плоскости.