Канадская художница Мод Льюис — Innocentia

 

---

 

История об очень скромной и доброй Мод Льюис (Maud Lewis), которая стала великой канадской художницей и вселила радость в людей, живущих и за пределами захолустного городка, из которого не позволяла ей выбраться болезнь.  

Мод Льюис (1903-1970) родилась в Новой Шотландии у Джона и Агнес Доули. В детстве, Мод провела большую часть своего времени в одиночестве, в основном потому , что она чувствовала себя некомфортно в связи с отличием от других детей. Она родилась почти без подбородка и всегда была намного меньше , чем все остальные. Вместе с тем, Мод была счастливым ребенком проводившим время вместе со своими родителями и братом. Мать Мод научила ее живописи на рождественских открытках , которые продавались и , таким образом , она начала свою карьеру художницы.

 

 
В раннем детстве она заболела артритом, который скрючил ее руки и навсегда наградил болезненной походкой.

Но она смеялась над своей болезнью! Живя безвыездно в доме своих родителей, Мод начала рисовать. Пастелью и цветными карандашами она рисовала радостные картинки.

 

 

В 1935 году отец Мод умер затем в 1937 году умерла ее мать. Как было характерно в то время, ее брат унаследовал семейный дом. После того, как она прожила некоторое время с братом, после продажи дома она переехала в Дигби , чтобы жить со своей тетей. Там она познакомилась с Эверетт Льюис, странствующим разносчиком рыбы, и вышла за него замуж в 1938 году.  

 

  

 

 

У них был крошечный однокомнатный дом на старой заброшенной дороге. 

  

 

Свой маленький очаг Мод украсила множеством красок: окна разрисовала букетами тюльпанов, двери — птицами и бабочками. Даже мусорный ящик расписала маргаритками. В доме топилась печь, а поначалу освещала его маленькую комнатку лишь керосиновая лампа.  

 

    

 

Мод Льюис рисовала сцены на открытом воздухе, мыс острова, лодки на воде, лошадей ,сани, фигуристов, портреты собак, кошек, оленей, птиц и коров. Ее картины были вдохновлены воспоминаниями детства, а также местаит Дигби . Большинство ее картин совсем маленькие — часто не больше , чем 20 на 25 сантиметров, хотя она , как известно, сделала по крайней мере пять картин 60 на 90 сантиметров. Размер был ограничен тем, насколько она могла двигать руками. Она использовала в основном плиты и трубы , с краской на масляной основе. Техника Мод состояла из первого покрытия доски белым, а затем рисуя контур и нанесением цветной краски непосредственно из тюбика. Она никогда не смешивала несколько цветов.

 

 

 

«Мой ребенок нарисовал бы лучше», — качает головой владелец бакалейной лавки, не понимая, почему открытки Мод пользуются такой популярности. «Но не нарисовал же. Идиот», — защищает жену Эверетт. В картинах Мод соседствуют разные сезоны, часто отсутствуют тени, животные принимают причудливые формы, а пропорции искажаются в соответствии с замыслом художницы. Они кажутся примитивными, но только на первый взгляд. Больше всего подкупает отношение самой Мод к искусству: ее не интересуют слава и даже деньги, которые начинают приносить ее произведения.

 

 

 

Заинтригованные искусством художницы, её оригинальным духом и замкнутой жизнью, к дому Льюисов стали стекаться туристы и поклонники ее творчества. Они покупали ее рисунки за 2, 3, а потом за 5 долларов. Мод не решалась просить больше. Так она стала главным кормильцем семьи, благодаря своему таланту. «Пока я могу просто сидеть у окна и держать в руках кисточку, я счастлива», — говорит она.  

 

 

 Мод Льюис продолжала писать свои весёлые картинки и сохраняла свой неизменный оптимизм до смерти в 1970 году.

 

 

 Сейчас в галерее Новой Шотландии находятся 55 картин Льюис, включая главное достижение — её собственный дом.

 

 

 

(Ее дом помещается в музее !!!)   

   

Посетители удивляются, как человек мог жить 30 лет в таком маленьком пространстве и излучать столько радости, создавая маленькие шедевры!

 

 

 Ее муж Эверетт был убит, когда грабитель убил его во время попытки ограбления в доме в 1979 году.

 

  

 В 2016 году вышел в прокат художественный фильм «Maudie» о жизни Мод Льюис. Салли Хокинс играет Мод, а ее мужа играет Итан Хоук.  

 

  

«Моди» — предсказуемая и линейная история, Хокинс придает ей такую степень правдивости и обаяния, что за отношениями Мод и Эверетта зритель все равно будет следить с интересом и сопереживанием, прощая даже грубые клише. Ради роли художницы актриса специально училась рисовать в течение нескольких месяцев перед съемками, еженедельно встречаясь в Лондоне с преподавателем по наивной живописи.
 

  

  

В мае 2017 года одна из ее картин была продана с аукциона за 45 000 долларов.

 

 

 

 По-моему, волшебные, добрые и позитивные картины…а ее маленький дом — чудо…=)

 

   

  

(по материалам интернета)

 

проникновенный байопик о канадской художнице с Салли Хокинс — Российская газета

Судьба не была благосклонна к Мод с самого детства — она родилась с деформацией стопы в начале двадцатого века, когда хирургическое лечение таких дефектов еще не было поставлено на поток. Она потеряла обоих родителей в совсем юном возрасте, и ее отослали к строгой тетушке, где единственными методами воспитания были трудотерапия, выработка беспрекословного послушания и покорности своей судьбе.

Ее старший брат, транжира и проворовавшийся владелец одного из музыкальных клубов, решает продать отчий дом, поставив Мод перед фактом и тем самым отрезав в ее сознании все пути умозрительного бегства из удушающей реальности.

Робкая, ранимая, худенькая Мод состарилась прежде, чем повзрослела. Ее нельзя назвать откровенно некрасивой — она необычна. В ее манере одеваться по-старушечьи есть что-то детское. Как ни парадоксально, ей это очень идет и даже помогает — на дальних подступах снимая кучу вопросов, которые можно было бы ожидать в ее адрес со стороны сурового мужского населения сельского края. В выражении ее лица проскальзывает что-то неуместное, что подспудно так раздражало ее чопорную тетушку. Ей наверняка казалось, что она видит на лице Мод маску нахальства, порока или бесстыдства, что на самом деле было чем-то диаметрально противоположным и невероятно далеким от повседневности. Только вот не было рядом с Мод человека, который мог бы это понять и оценить.

Это выражение лица, приводящее других в замешательство, на самом деле свидетельствовало только об одном: Мод, в силу индивидуальных особенностей или воспитания, не проводила особых различий между внешним и внутренним, для нее они были едины.

Она не уставала радоваться каждому дню, природе вокруг себя, отдаваясь этим чувствам до конца, без скидки на то, что об этом подумают окружающие и насколько это уместно вообще — ликовать, пока другие ведут тяжелое, согбенное под грузом ответственности, существование, смотря по сторонам и видя то же самое, что она.

Жизнь меняется в один день, когда Мод решается найти работу вопреки уверениям тети, что она не в состоянии даже жить самостоятельно и заботиться о себе. Она откликается на объявление бобыля Эверетта Льюиса, занимающегося ловлей и разносом рыбы. Он, круглый сирота, выросший в приюте в ежедневной борьбе за существование, не знает, что такое доброе отношение к ближнему и элементарная приветливость. И, как часто это бывает в жизни, ситуация осложняется тем, что в основе его бесчеловечно жестокого обращения с другими — ненависть и презрение к себе, вытравить которые практически невозможно.

Мод также не особо высокого мнения о себе, но она очень быстро понимает, что и Эверетт в чем-то особенный, пусть и в другом, чем она. Мод не судит его, так как знает, с чем ему приходится сталкиваться — с презрением и непониманием, рождающим желание убежать подальше от людей и иметь друзей только среди представителей собачьего племени. Он не знает, как заботиться о других, но физически может это сделать. Она же — лишь представляет, как это должно быть, и делает все, что в ее силах, нащупывая границы путем проб и ошибок, методично и самоотверженно, не осуждая, продолжая свое кропотливое исследование.

С точки зрения современного человека — их союз невозможно описать вне категорий садизма, проявляемого Эвереттом, и мазохизма, демонстрируемого Мод (как очень нездорового способа искупления греха молодости). Но жизнь гораздо более многогранна и разнообразна, чем любые проверенные временем на прочность научные конструкции. В конце концов, она действительно оказалось самой счастливой из представителей своего семейства. Но были бы они счастливы, окажись они на ее месте, имей их работа международный успех? Смогли бы они удержаться от ропота на бытовые условия при ее недугах, не потребовали бы они большего, не превратили бы рисование в прибыльный бизнес ради бизнеса? Неужели они сумели бы сохранить бодрость духа и оптимизм? Вряд ли.

«The whole of life already framed, right there”, — задумчиво восхищается Мод. Действительно, для нее мир, такой, какой он есть, является самым совершенным полотном, самой лучшей картиной, а в более поздние годы, когда она потеряла возможность передвигаться без боли, — окно по вполне прозаическим причинам стало рамкой для всех ее картин. Но и жизнь каждого человека также имеет определенную оплетку, главное — не подверстывать ее под заранее заготовленные фабричные шаблоны.

5

Солнечный мир оптимистки Maude Lewis

В провинции на востоке Канады, в Новой Шотландии, в графстве Ярмут, в бедной семье жила-была…

Так начинается сказка…

О том, как маленькая, больная, смешная и очень скромная женщина стала великой канадской художницей и вселила радость в людей, живущих и за пределами захолустного городка, из которого не позволяла ей выбраться болезнь.

Мод Льюис родилась в 1903 году в маленьком приморском городе Ярмут в Новой Шотландии.

В раннем детстве она заболела артритом, который скрючил ее руки и навсегда наградил болезненной походкой. Но она смеялась над своей болезнью! Живя безвыездно в доме своих родителей, Мод начала рисовать. Пастелью и цветными карандашами она рисовала радостные картинки.

После смерти своих родителей, когда Мод уже было за 30, она переехала к своей тёте в Дигби, где вскоре познакомилась с бедным местным торговцем рыбой Эвереттом Льюисом, и через несколько дней они поженились.

Город Дигби. Новая Шотландия.

У них был крошечный однокомнатный дом на старой заброшенной дороге.

Мод Льюис и ее муж Эверетт на пороге своего дома.

Свой маленький очаг Мод украсила множеством красок: окна разрисовала букетами тюльпанов, двери — птицами и бабочками. Даже мусорный ящик расписала маргаритками. В доме топилась печь, а поначалу освещала его маленькую комнатку лишь керосиновая лампа.

«Я пишу всё по памяти, я не срисовываю с натуры», — говорит Льюис, широко улыбаясь в 1965 году в документальном фильме о ее жизни.

Она ездила в город с мужем и продавала нарисованные от руки рождественские открытки, а затем стала расписывать доски, которые заготавливал для нее Эверетт.

На картинах Льюис мы видим мир из окон её маленького дома, воспоминания ее детства и нечастые поездки в город: изображения быков с колокольчиками на фоне деревьев, украшенных ярко-красными цветами; повозки, в которых сидят ярко одетые люди, за которыми гонятся собаки; чайки над берегом моря. И, наконец, ее любимые кошки с широко раскрытыми глазами на фоне тюльпанов.

Сколько детского очарования в ее картинках! Мы никогда не увидим пасмурного неба, темной тени или хмурого лица. Живя в тесном домике, в нищете, Мод была исполнена радости.

Заинтригованные искусством художницы, её оригинальным духом и замкнутой жизнью, к дому Льюисов стали стекаться туристы и поклонники ее творчества. Они покупали ее рисунки за 2, 3, а потом за 5 долларов. Мод не решалась просить больше. Так она стала главным кормильцем семьи, благодаря своему таланту.

Мод Льюис продолжала писать свои весёлые картинки и сохраняла свой неизменный оптимизм до смерти в 1970 году.

Сейчас в галерее Новой Шотландии находятся 55 картин Льюис, включая главное достижение — её собственный дом.

Дом Мод Льюис.

Посетители удивляются, как человек мог жить 30 лет в таком маленьком пространстве и излучать столько радости, создавая маленькие шедевры!

P.S. В 2016 году вышел в прокат художественный фильм «Madie» о жизни Мод Льюис. А в мае 2017 года одна из ее картин была продана с аукциона за 45 000 долларов.

(по материалам интернета и статьи «The joyous world of overlooked canadian folk artist Maud Lewis»)

Послесловие.

Заинтересовавшись предложенной конкурсной темой о Канаде, я стала искать в интернете, о каком канадском художнике написать публикацию, и совершенно не ожидала найти такой бесценный клад!

Спасибо «Ярмарке Мастеров» за моё знакомство с творчеством Мод Льюис!

Анастасия Красовицкая

МОДИ: ОТ ПРЕЗРЕНИЯ К СЧАСТЬЮ

Создание эмоциональных связей

Интересно наблюдать, как Мод удается тонко чувствовать и располагать к себе людей. Она всегда приветлива, начинает разговор с любым человеком с приятной фразы: «Хорошо выглядишь», «Красивый костюм», «Красивый дом», «Хорошие туфли, наверное, дорогие…», чем сразу вызывает улыбку и симпатию. Она делает это совершенно искренне, с любовью к людям и даже на тех, кто ее обижает, не держит зла.

Человек с анальным вектором склонен долго помнить обиду. Но в этом случае играет роль развитый зрительный вектор и его свойство относиться с пониманием, оправдывать поступки людей:

— Дети бросают в меня камни. Но они не специально. Некоторые не любят других…

Добрая, светлая, покладистая женщина, лишенная многого в жизни, светится изнутри, и ее глаза сияют теплом и любовью ко всему миру. Анально-зрительное сочетание векторов делает ее идеальной женой (в потенциале): заботливой, понимающей, сочувствующей, мягкой, верной и надежной.

Конечно, Мод мечтала выйти замуж. В нелюдимом и грубоватом хозяине дома она увидела родственную душу, такую же одинокую и неприкаянную. Она смогла почувствовать его боль и не обижалась на него. Уже одним своим согласием и послушанием она удовлетворяла потребности этого мужчины в том, чтобы почувствовать себя главным, значимым. И что примечательно, он сразу успокаивался и смягчался. Видно было, насколько он нуждается в том, что давала ему Мод. Благодаря своей природной зрительной способности создавать эмоциональные связи, женщина мягко и ненавязчиво способствовала возникновению душевной близости между ними.

Счастливая ошибка

Так случилось, что Эверетт забыл выполнить один заказ. Мод узнала об этом от клиентки. Интересно, как эту ситуацию, которая могла бы вылиться в конфликт, удается решить анально-зрительной женщине, способной сглаживать острые углы. Это стоит описать.

Когда Эверетт вернулся домой, Мод не стала напрямую сообщать ему о том, что случилось, и заставлять мужчину чувствовать себя неловко из-за этого недоразумения. Она, как обычно, накрыла на стол, усадила его ужинать и присела рядом. Стала расспрашивать, как прошел день, понимающе подметила, как он, наверное, устал… Потом заговорила о его тяжелой работе и, слегка склонив голову, глядя на него как бы снизу-вверх, сказала:

— Вы такой умный, столько всего держите в голове, большинство так не может, поэтому все записывают.

Мужчина был немного удивлен, что она об этом заговорила, никто не говорил с ним подобным образом, но ему понравилось, как она это делала, он почувствовал понимание в ее глазах.

Она продолжила:

— Я могу написать, если хотите. Я хорошо пишу.

Торговец еще больше удивился и даже растерялся, не зная, что ответить, а Мод, не дожидаясь ответа, стала произносить вслух имена клиентов и записывать на обратной стороне карточки, которую недавно разрисовала. Эверетт незаметно для себя включился в процесс и стал диктовать цифры — количество рыбы, заказанное каждым клиентом. Так был составлен первый список учета заказов, который впоследствии стал ключиком к новой, счастливой жизни.

где находится и что посмотреть рядом

В небольшой деревне Маршалтаун в Новой Шотландии на обочине дороги стоит маленький домик. Прохожие заметили, что крошечное жилище раскрашено яркими цветами, листьями и птицами. Здесь жили художница Мод Льюис и её муж Эверетт, и, возможно, дом был её величайшим произведением искусства.

Мод Льюис родилась в 1903 году. В раннем возрасте она страдала от тяжёлого ревматоидного артрита и находила утешение в живописи. Вступив в брак с живущим по соседству продавцом рыбы Эвереттом, она переехала в квадратную (с трёхметровыми стенами) хижину, ставшую для пары домом на более чем 40 лет. Не имея никакого художественного образования, Мод разукрасила бедную сельскую общину вокруг. Рисунки изображали фермеров, волов, кошек и жителей деревни, катавшихся на санях. В процессе работы она использовала любые материалы, которые только могла найти: доски, краски для лодок и самодельные кисти. Эверетт продавал картины во время своих рыболовных рейдов всего за $ 2,5. Жизнь в Маршалтауне была тяжёлой, но Мод нарисовала мир, полный цвета и счастья.

Когда Мод не была занята созданием произведений для продажи сельским жителям, она раскрашивала каждый сантиметр внутреннего и внешнего убранства дома: чугунная печь, лестница, стены и даже мусорные ящики и стиральные доски покрыты рисунками художницы-самоучки.

Она умерла в 1970 году, а спустя девять лет её муж Эверетт покинул дом. Художественная галерея Новой Шотландии, желая сохранить культурное наследие региона, перевела весь дом в свою постоянную коллекцию. Сегодня картины Мод Льюис стоят на аукционе $ 20 000, что удивительно, учитывая, что они с мужем прожили всю жизнь в нищете.

Сегодня посетители Галифакса и огромного музея найдут в одной из угловых комнат крошечный деревянный домик, красиво и с любовью расписанный маленькой старушкой.

О любви двух счастливых изгоев.

«Моди» — рецензия | Хорошее кино от Ивана Афанасьева

«Вся жизнь уже в рамочке, прямо там за окном, бери и рисуй», — говорила Мод Льюис, знаменитая канадская художница 20 века, чьи картины покупал сам президент Никсон. Всю свою жизнь, тем не менее, Мод прожила в захолустной деревушке в Новой Шотландии. Фильм Эшлин Уолш «Моди» является несколько вольной экранизацией ее необычной биографии с Салли Хокинс в роли Мод Льюис и Итаном Хоуком в роли Эверетта Льюиса. Картина Уолш сосредотачивается не на творчестве художницы, а на ее непростых отношениях с мужем.

Моди с детства была калекой, так как болела артритом, то есть ей тяжело было ходить, а к старости даже дышать и говорить. Дети кидались в нее камнями, а люди за глаза считали уродиной. Она всегда любила рисовать, и ее картины выходили солнечными и светлыми, как и ее взгляд на мир. Моди хотела завести себе друзей, но у нее не получалось, пока однажды она не познакомилась с Эвереттом Льюисом — угрюмым рыбаком, выросшим в сиротском приюте и живущим в разваливающейся лачуге. Моди стала его домработницей, а вскоре и женой.

Как говорят сами герои фильма: «Мы непарные носки, которые нашли друг друга». И правда, два человека, которых общество считало изгоями и уродами в конце концов обрели счастье. Но если разобраться в структуре фильма, то окажется, что уроды здесь вовсе не Эверетт и Мод, а почти все люди вокруг: ее брат Чарльз, который пришел проведать ее, только когда ему понадобились деньги, ее тетя, которая всю жизнь обманывала Моди, продавец в магазине, презрительно относившийся к ее картинам. Все эти люди уродливы изнутри, и оттого глубоко несчастны.

Также несчастен был и Эверетт, неразговорчивый, вспыльчивый мужлан, которому собаки были ближе людей, пока в его жизни не появилась Моди, хитрая и ироничная молодая девушка. Первая часть фильма, в которой рассказывается о начале их отношений, в этом плане очень яркая и драматичная. Каждый раз, когда в кадре появляется Итан Хоук, от него идет непонятное напряжение, словно вот-вот должно что-то взорваться. И оно взрывается. Фильм умело балансирует на грани комического и трагического. И если сейчас мы весело смеется над тем, как Эверетт кисло реагирует на то, что Моди приготовила ему суп с репой, которую он не любит, то секунду спустя, мы замираем от того, как Эверетт громко орет на нее и кидается кастрюлями.

Практически постоянно сразу же после таких агрессивных сцен идут кадры умиротворенной природы. Колышущиеся колосья, замерзший пруд, длинная дорога в зеленом поле… Все эти завораживающие пейзажи успокаивают, дают передохнуть перед новым напряженным эпизодом. Благодаря такому контрасту эмоций от сцене к сцене, фильм вызывает полную гамму чувств: от смеха до слез. На слезы картина пробивает практически все время, потому что герои получились такими искренними, милыми и простыми, что после их незамысловатых, но очень добрых поступков возникает непроизвольное желание улыбнуться соседу. Моди и Эверетт живут в собственном мире и многого им не надо: не нужно электричество, водопровод, новый стол или кровать. Они существуют в пространстве традиционных семейных отношений: жена убирается и готовит еду, а муж уходит на работу с утра и возвращается вечером к домашнему очагу и теплу. Идиллия ненадолго нарушается, когда картины Моди становятся слишком популярны, и домашние обязанности уходят на второй план. Но именно в этот момент проявляется настоящая любовь Эверетта, который со слезами на глазах признается, что, несмотря ни на что, Моди для него лучше собак.

В жизни должно быть место чему-то светлому и нежному. Эверетт смотрел на мир сквозь мутное стекло, но пришла Моди и раскрасила его жизнь и дом яркими красками. И Эверетт очнулся. Мальчик из сиротского приюта, который в жизни не знал настоящей любви, открыл ее для себя благодаря Моди. Как и несчастная калека Моди познала любовь благодаря Эверетту. Об этом и весь фильм: о любви двух счастливых изгоев.

Автор текста — Василина Свиридова.

Фильм был просмотрен в рамках открытия 11-го фестиваля Ирландского кино. Редакция паблика «Хорошее кино от Ивана Афанасьева» благодарит организаторов мероприятия за возможность посмотреть фильм. Картина «Моди» также будет показана в кинотеатре «Октябрь» в рамках фестиваля в следующие дни: 17.03 (17:00), 23.03 (19:00) и 25.03 (21:00).

Моди — Таня, что посмотреть?

© IMDB

В 1903 году в маленьком приморском городке Новой Шотландии родилась будущая художница Мод Льюис (Доули). В раннем детстве Мод заболела артритом, который скрючил ее руки и «одарил» хромой походкой на всю жизнь. Несмотря на это, Мод стала хоть и одиноким, но жизнерадостным ребенком. Она была из тех людей, кто светится счастьем изнутри и излучает этот свет через свою улыбку, добрый взгляд и творчество. Мод научилась рисовать и выражала свой внутренний мир через живопись. Радостные картинки художницы завораживали своей детской непосредственностью, наивным романтизмом и чистым цветом.

© IMDB

После смерти родителей Мод осталась с братом, который чуть позже перевез ее в другой городок к их тете. Вот там то Мод и встретила своего будущего мужа Эверетта, разносчика рыбы. И с этого момента началась их непростая история любви. Мод переехала к Эверетту и почти сразу же украсила своими рисунками его маленький и тесный домик, который впоследствии стал самым крупным ее арт-объектом.

Повествование биографического фильма начинается с 30-х годов, когда Моди уже живет со своей тетей Идой, а брат продает их дом…

© IMDB

Жаждущая независимости Мод сбегает из дома и нанимается помощницей по хозяйству в дом к неграмотному и грубому Эверетту. «Сначала я, потом собаки, затем курицы, только потом ты!» — бросает он Мод, сожалея, что кроме «калеки» никто не откликнулся на его объявление. Поначалу Моди терпит унижение и жестокость от замкнутого рыболова, но затем, мы наблюдаем, как история их жизни приобретает теплые и нежные тона, возможно, благодаря цветным баночкам со спасительными красками…

© IMDB

Салли Хокинс после съемок фильма непросто было избавиться от образа, расстяжка и йога помогли ей физически и морально выйти из роли Моди. Салли была первой претенденткой на главную роль, а Итан Хоук согласился на роль Эверетта, даже не читая сценария.

Для съемок фильма была построена точная копия дома Льюисов. А настоящий отреставрированный дом Мод и Эверетта в настоящее время находится в Художественной галерее Новой Шотландии в городе Галифакс.

© IMDB

Моди не утратила своего оптимизма до самой смерти, а ее веселые картинки, даже спустя много лет, не потеряли своего детского очарования. Помимо биографического фильма, жизнь и судьба Мод Льюис легла в основу книги «The Illuminated Life of Maud Lewis» и пьесы «A Happy Heart: The Maud Lewis Story».

«У меня было так несколько раз в жизни, когда ты чувствуешь привилегию, находясь в комнате, потому что ты первый, кто видит эту игру. Я чувствовал это с Дензелом Вашингтоном в Тренировочном дне (2001). Если ты любишь актерскую игру, ты любишь то, что делаешь, это потрясающе и я чувствовал себя так с Салли, она забавная и блестящая!»

Итан Хоук об актерской игре Салли Хокинс

Приятного просмотра!

 

Сохрани в Pinterest, чтобы не забыть посмотреть!

Maudie, 2016

Ирландия, Канада

Режиссер: Эшлин Уолш

В ролях: Салли Хокинс, Захари Беннетт, Габриель Роз, Лоуренс Бэрри, Итан Хоук, Грег Мэлоун, Билли Маклеллан, Кари Матчетт, Марта Бернард и другие.

Рейтинг IMDB

comments powered by HyperComments

Ашвин Моди — Биография

Обратите внимание: Художники, не классифицированные как американские в нашей базе данных, могут иметь ограниченные биографические данные по сравнению с обширной информацией об американских художниках.

Создание биографий или их улучшение — это работа, и мы приветствуем информацию от наших знающих зрителей.

Если вы чувствуете, что у вас есть полезная информация, которую вы хотели бы поделиться, следующие способы подачи являются наиболее эффективными.Мы приветствуем ваше участие!

1. Уже для ведущих дилеров и музеев зарегистрировавшись в askART, ваш лучший подход — войти в систему, выбрать исполнителя (один раз он / она в вашем списке художников) и отправьте туда свою биографию. Если ты дилер или музей, который в настоящее время не зарегистрирован, пожалуйста нажмите здесь, чтобы зарегистрироваться, а затем вы можете выбрать своего исполнителя и отправить Биография.

2. Для всех, у кого есть полезная информация об этом исполнителе, отправьте информацию по электронной почте на адрес регистратор @ askart.com. Обратите внимание: все биографии будут полностью доступен для просмотра по пятницам, но биографии на остальную часть недели доступны только для подписчиков.

Руководство по биографии
При отправке биографической информации мы ценим ваше внимание к следующие:

Имейте в виду, что askART не является рекламным сайтом, и соответственно биографические данные не должны использоваться в целях «рекламы» или художник.

Наш сайт про ХУДОЖНИКОВ, СКУЛЬПТОРОВ, ИЛЛЮСТРАТОРОВ. Если вы мало знаете о художника, но если у вас есть важная информация, мы будем рады, если вы прислали это также на [email protected]. Это для всех нас приятно видеть, как файлы художников растут, а другие могут захотеть чтобы дополнить то, что вы предоставили.

Не дилеры и музеи :
Пожалуйста, представьте вашу информацию следующим образом: «Следующие биографические Информация предоставлена ​​племянницей художника Джейн Доу.»

Дилеры и музеи автоматически получит ссылку на их места.

Просто факты, пожалуйста. Наши редакторы обучены удалите любую шумиху или рекламное словоблудие, например «самые известные» «Всемирно известные», «необычайно красивые работы».

Если вы мало знаете о художнике, ответьте на как можно больше из следующих вопросов. Другие лица, видя вашу запись, часто добавляйте к данным.Вот сколько биографий расти.

Пожалуйста, включите в свою биографию ответов на as многие из следующих вопросов как возможные :

• Какие предметы и стили ( и другие отличительные характеристики), по которым работы художника наиболее известны?
• Отождествлен ли художник с какими-либо конкретными направлениями искусства , или художники , которые повлияли на его или ее творчество?
• Где, когда и у кого художник получил образования и обучение ?
• Можете ли вы предоставить все соответствующие личные данные информация о художнике?
• Членом каких художественных организаций был художник?
• Можете ли вы предоставить список всех крупных музеев и художников? ассоциация выставок ? ( без учета коммерческих художественных галерей ).
• Какие награды или другое признание получил художник?
• Что музеев (название, город и штат) в настоящее время имеет работы художника в их постоянных коллекциях?
• Требуется : Какие источники для вашего Информация? Для книг: название списка, автор, дата публикации. (По желанию: укажите количество страниц и да / нет, если есть цветные изображения.) Для журнала статьи, укажите название статьи, автора, название публикации, дату и страницу номер, если возможно.
• Обязательно : имя лица, подавшего Информация.

Примечание дилера : Пожалуйста, введите книги, периодические издания и музей. ссылки в отведенном для этого месте. Не совмещайте информацию о книге с биография.

Есть много сильных биографий, на которые вы можете ссылаться на нашем веб-сайте, например, Сесилия Бо, Эдвард Хоппер и Пол Сэмпл.Пожалуйста, не отправляйте биографии с минимальным количеством фактов или чрезмерно рекламными текстами, такими как следующие (непригодный) формулировка:

Что НЕ отправлять:
«Художник Джон Доу — квинтэссенция мастера. света, цвета и сцены. Его блестящие полотна наполнены чувством, где любовь можно почувствовать всеми органами чувств. Благодаря его умелой манере письма и опираясь на свой жизненный опыт, он создает образы, в которых зритель чувствует, что он действительно стал единым целым с предметом.Картины Доу обязательно будут искать различающий коллектор. У меня / у нас есть множество впечатляющих работ Доу имеется в наличии для продажи »

Благодарим вас за участие в askART. Если у вас есть вопросы по поводу подачи биографий отправляйте их по адресу [email protected]

Поделитесь изображением художника.

Prarthana Modi — Общественный Дом искусств

Нью-Дели — Индия

Прартхана Моди (1978, Индия) — фотограф из Нью-Дели.

Если вы устали от шума, красочных неоновых огней, плоских экранов и 3D-фильмов, если вы собираетесь сорвать одежду, отрастить длинную бороду и вернуться на природу, чтобы жить на корнях и ягоды … остановитесь на мгновение. Расслабиться. Позвольте себе очароваться неподвластными времени и движущимися изображениями, которые Прартхана Моди запечатлевает в элегантных черно-белых тонах. Затем, если вы все еще хотите сбежать от цивилизации, мы будем рады отвезти вас на заправку на выбранном вами шоссе.

Прартана начала свое формальное обучение фотографии с базовых курсов в Центральной школе искусств и дизайна Сент-Мартинс в Лондоне, а затем продолжила обучение в Школе черно-белой фотографии в Лондоне. Однако в основном она самоучка и целеустремленная.

Прартхана делает все свои изображения в черно-белом режиме и снимает только на пленку. Она креативный фотограф, владеет различными техниками, в том числе ручной печатью на серебряно-желатиновой архивной бумаге с селеновой тонировкой.

О выборе черного и белого она пишет: «Я чувствую, что, когда я вижу фотографию, сделанную в цвете, меня так отвлекают цвета, что я обычно не замечаю, нравится ли объект или фотография в целом. меня.»

Художник отдает приоритет форме, сюжету и повествованию. Ее образы городских пейзажей и их жителей часто неоднозначны. В ее ассоциациях и названиях ее работ часто присутствует элемент юмора, что видно на фотографиях вроде Evolution из коллекции The Awesome Публичного дома искусств.

Моди предлагает чистое, откровенное видение своей родной Индии, оставаясь при этом верной традиционной аналоговой фотографии.

«Фотография для меня — это очень личный опыт. Моя цель — увидеть и изобразить свет … свет внутри как свет снаружи. Речь идет об использовании света снаружи, чтобы соединиться со светом внутри. Чтобы почувствовать … каждая фотография, которую я делаю, вызывает во мне определенные эмоции, и я стараюсь заставить зрителя тоже что-то почувствовать … это может быть та же самая эмоция, которую я чувствовал, или что-то совершенно другое.Чтобы чувствовать, значит быть человеком и живым. И да, остановиться и найти что-то, что можно ценить в маленьких, обыденных, нормальных вещах, которые нас окружают. Моя фотография не ограничивается Индией, так как я твердо уверен, что можно передать одно и то же чувство на разных изображениях в любой части мира. В конце концов, эмоции универсальны. И я пытаюсь изобразить присущую всем нам «одинаковость» через мои изображения ».

Выставляла свои работы на персональных и групповых выставках в Индии, а также в Лондоне, Париже, Шанхае, США и Великобритании.

Искусство Анурадхи Тхакура — Купить индийские картины Анурадхи Тхакура

Искусство Анурадхи Тхакура, современного индийского художника, воспевает вечную красоту племенных индийских ритуалов и традиций. Ее оригинальные картины, от фестивалей и религиозных церемоний до народных песен и танцев, иллюстрируют смелую яркую картину племенной жизни. Она известна тем, что изображает лица и фигуры своих подопечных черным цветом, что разительно контрастирует с их богато украшенной одеждой и калейдоскопическим окружением.

В недавнем выступлении на TEDx, сделанном в BITS в Хайдарабаде, художница Анурадха Тхакур рассказала об особенностях использования черного цвета в своих картинах. Она сказала: «Племенные люди честны, довольны и миролюбивы, и я хочу, чтобы эти качества выделялись тихо и тихо. Черный — сильный цвет, чтобы показать это, но черный, который я использую, — мягкий черный, а не резкий или злобный черный ».

Анурадха Тхакур окончил Абхинав Кала Махавидьялая, Пуна, со степенью изящных искусств. Прежде чем стать штатным художником, она 20 лет проработала в некоммерческом секторе.Она выиграла несколько национальных наград и недавно была выбрана Министерством по делам женщин и детей в качестве одной из 100 лучших женщин-успешниц в категории искусства и культуры в Индии. Примечательно, что ее картина «Этническая интуиция» висит в кабинете премьер-министра Нарендры Моди.

Анурадха Тхакур приветствует заявки на заказы картин. Если вам нравится проданная картина, или если у вас есть особое пространство, вы можете сделать индивидуальную картину по вашему вкусу и спецификациям в отношении размера, цветовой палитры и других деталей.Вы можете купить ее картины в Интернете или просмотреть их в нашей галерее в Пало-Альто (район залива Сан-Франциско). Все работы подписаны художником вручную и имеют сертификат подлинности.

Чтобы узнать больше о подходе Анурадхи к живописи, прочтите ее недавний пост в нашем блоге и прочтите здесь о процессе, лежащем в основе одной из ее недавно заказанных картин.

Анурадха рисует на открытом воздухе в своем саду.

Амедео Модильяни

Амедео Модильяни родился 12 июля 1884 года в Ливорно в известной зажиточной итало-еврейской семье.Сначала он учился у Гульельмо Микели, второстепенного художника из группы Маккьяйоли, а затем в академиях Флоренции и Венеции, где на него большое влияние оказало искусство Возрождения. Все его работы перекликаются с живописью сиенцев 14 века, Сандро Боттичелли и маньеристов.

В 1907 году Модильяни прибыл в Париж, где в районе Монмартра жил поистине богемной жизнью. Он познакомился с молодыми художниками-авангардистами в Бато-Лавуар, старом здание, где у многих из них были свои студии, и принимали участие в их обсуждениях.Его ближайшими друзьями были Хаим Сутин и Жюль Паскин, одно время он работал с художником Моисом Кислингом. Аристократичный, красивый и меланхоличный, Модильяни подорвал свое здоровье алкоголизмом, наркотиками и раскованным любовным образом жизни.

Модильяни выставлялся в Салоне Независимых в 1908 году. Его первые скульптуры были созданы в 1909 году. В том же году он вернулся в Ливорно, а в 1910 году вернулся в Париж, где прожил всю оставшуюся жизнь. Он беспокойно переезжал из одной квартиры в другую и, наконец, переехал с Монмартра на Монпарнас в 1913 году, где продолжил свою богемную жизнь.Его можно было регулярно встретить в Cafédela Rotonde или в Dôme. Хотя он происходил из богатой буржуазии, он искренне чувствовал социальную ответственность. В Париже он был известен как Моди, от которого французы из-за лингвистической искажения аббревиатуры называли его (а также Паскина, Сутина и Мориса Утрилло) как peintre maudit (проклятый художник).

Классически уравновешенный характер зрелого творчества Поля Сезанна произвел впечатление в начале (1909 г.) и решительно поразил чуткий ум Модильяни.Его отличительный стиль стал результатом сочетания его пристрастия к музыкальным наброскам, полного упрощения формы и влияния африканской скульптуры (с которой он был представлен своим другом Константином Бранкузи) с манерой Сезанна наносить тонкую полупрозрачную краску на холст. . Скульптуры Модильяни 1909-1915 годов тоже кое-чем обязаны африканским племенным стилям.

Модильяни преимущественно рисовал обнаженные натуры и портреты, сначала работая под влиянием Анри де Тулуз-Лотрека, которым он восхищался и в любимых местах которого его часто видели ночью.Бесконечное разнообразие человеческого лица, его типовое и индивидуальное выражение, извилистые контуры обнаженных женщин, их оригинальное расположение в рамках картины, новые и неожиданные ракурсы, с которых они визуализировались — все это были любимые темы Модильяни. . Он был необычайно одарен в изобретении новых аспектов своего предмета, великий мастер разнообразия.

Шедевры Модильяни были созданы в период с 1915 по 1919 год. Кажется, он созрел сразу.В 1918 году он принял участие в групповой выставке в галерее Берты Вайль; его обнаженные тела спровоцировали скандал, и полиция закрыла шоу. Торговец Леопольд Зборовски пошел на большие жертвы, чтобы дать Модильяни возможность рисовать, и одно время английская поэтесса Беатрис Гастингс щедро поддерживала его. Хотя в определенной степени ему помогала его семья, Модильяни часто был на грани голодной смерти из-за крайностей в своем образе жизни.

Состояние здоровья Модильяни было хрупким, и ему пришлось провести зиму 1918/1919 годов в Каннах.Он вернулся в Париж весной 1919 года, когда у его молодой любовницы и модели Жанны Эбютерн родилась дочь. Следующей зимой он заболел туберкулезом и был доставлен в больницу, где скончался в благотворительной палате 25 января 1920 года.

Многие считают Модильяни величайшим итальянским художником 20 века. Среди его шедевров живописи — желтый свитер (ок. 1919 г.) и «Лежащая обнаженная» ( Le Grand nu; ок.1919). Его портреты неизменно высокого качества, например, портрет Зборовского. (1916) и сериал Беатрис Гастингс и Жанны Эбютерн. Его работа, хотя и была связана с передовыми разработками Парижа, тем не менее оставалась прямым продолжением и воплощением классической итальянской традиции. Как художник, скульптор и рисовальщик Модильяни занимал ведущее место в современном движении и был одним из немногих по-настоящему великих мастеров Парижской школы.

Модильяни: непонятый | Искусство и культура

В конце 1919 года в убогой парижской студии, заваленной винными бутылками, Амедео Модильяни написал задумчивый портрет своей 21-летней возлюбленной Жанны Эбютерн.Несколько месяцев спустя, 24 января 1920 года, обнищавшая художница умерла от туберкулезного менингита в возрасте 35 лет. На следующий вечер Эбютерн, находившаяся на восьмом месяце беременности вторым ребенком, прыгнула насмерть из окна пятого этажа.

Во время короткой и трудной жизни Модильяни обычная цена за его элегантные, причудливо искаженные картины составляла менее 10 долларов, и покупатели были немногочисленны. Аландлорд, конфисковавший часть своих работ вместо арендной платы, использовал холсты для ремонта старых матрасов.В ноябре прошлого года анонимный участник аукциона Sotheby’s в Нью-Йорке заплатил 31,3 миллиона долларов за портрет Эбютерн.

Один из многих парадоксов карьеры Модильяни состоит в том, что столь мучительная жизнь могла породить столь безмятежную работу. Его искусству удалось преодолеть стилистическую пропасть между классической итальянской живописью и авангардным модернизмом. Французский поэт Жан Кокто, писавший в 1959 году, примерно через 40 лет после того, как они дружили в парижских кафе на Монпарнасе, назвал Модильяни «самым простым и благородным гением того героического века».Однако в традиционных историях искусства о нем почти не упоминается. Его работы, кажется, слишком сложно отнести к канонам живописи ХХ века. Возможно, что более важно, его яркая и трагическая жизнь затмила его достижения как художника.

«Модильяни в личной жизни — это почти карикатура на непонятого богемного художника», — говорит Тамар Гарб, искусствовед из Университетского колледжа Лондона. «Если Ван Гог — квинтэссенция безумного гения, то Модильяни — квинтэссенция туберкулезного алкоголика.”

Ретроспектива Модильяни (показанная с 26 февраля по 29 мая в коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия) пытается избавиться от его достойной таблоидов репутации лихого, употребляющего наркотики и распутного бродяги. Выставка «Модильяни: за гранью мифа», организованная Еврейским музеем в Нью-Йорке, где прошлым летом собрала огромные толпы людей, предлагает портрет художника как серьезного, дисциплинированного интеллектуала, чья уникальность как художника отражала его статус аутсайдера как итальянского иммигранта. и еврей в католической Франции.(Использование на выставке слова «миф» немного вводит в заблуждение, поскольку Модильяни на самом деле был лихим, употребляющим наркотики, распутным бродягой.)

Амедео Модильяни родился в тосканском морском порту Ливорно 12 июля 1884 года. Он был мечтательным, не по годам развитым маминым сыном, младшим из четырех детей в семье культурных интеллектуалов левого толка. Его отец, Фламинио, неудачник в бизнесе, отсутствовал большую часть детства Модильяни. Чтобы свести концы с концами, его мать, Евгения, открыла в семейном доме школу, в которой, помимо других предметов, преподавали французский и английский языки.Болезненный ребенок, Дедо, как его называли, перенес несколько приступов плеврита и в 14 лет чуть не умер от брюшного тифа. Два года спустя ему поставили диагноз туберкулез, который постепенно убивал его в течение следующих 20 лет. Хотя он редко говорил о своем состоянии, он, похоже, знал, что его времени осталось мало. Позже, в Париже, он объявит своему другу, литовскому скульптору Жаку Липшицу, что прежде всего ищет « une vie brève mais Deep » («короткую, но насыщенную жизнь»).

В юности он поступил в Италию в художественные школы Ливорно, Флоренции и Венеции, где усердно изучал академическую живопись и рисование.Он был очарован великими художниками итальянского Возрождения, страсть, которая в Париже выделяла его среди многих его воинственно-современных сверстников. Тем не менее, он хотел открыть новые горизонты. В 17 лет он написал из Венеции своему другу Ливорно Оскару Гилья: «Всегда говорите открыто и продолжайте идти вперед. Человек, который не может найти в себе новых амбиций и даже нового человека. . . не мужчина ». Его собственные амбиции приведут его во Францию. «Как художник, — любил повторять Модильяни, цитируя Ницше, — у человека нет дома в Европе, кроме Парижа.”

Прибыв туда в 1906 году в возрасте 21 года, Модильяни вышел из купе второго класса в элегантно сшитом черном костюме и эффектной черной накидке. Несмотря на то, что он был худощав, он выглядел выше своих 5 футов 6 дюймов и держался как аристократ. В свой чемодан он упаковал потрепанное издание Данте (которого он был склонен повторять по памяти в большом объеме днем ​​или ночью) и небольшую репродукцию Две куртизанки , картины венецианского художника эпохи Возрождения Витторе Карпаччо, которая он прилипал к стенам бесконечной череды арендованных комнат.Он принес от мамы денег, которых хватит на несколько месяцев, если будет осторожен. Но Модильяни никогда не был осторожен.

В Париже он открыл для себя работы Ренуара, Дега, Гогена и, среди более молодых, более радикальных, Матисса и Пикассо. Сезанн, в частности, произнес «восхищенный», одно из своих любимых прилагательных; всякий раз, когда упоминалось имя Сезанна, он вытаскивал из кармана репродукцию мальчика в красном жилете и целовал ее. Его собственные ранние работы были мрачными, экспрессионистскими портретами с грубо нанесенными серо-зелеными цветами и тяжелыми контурами, которые слишком явно заимствованы у Сезанна и Тулуз-Лотрека.

Модильяни быстро принял позу яркой богемы: он часто бывал в тусовках художников на Монмартре, а позже и на Монпарнасе, носил яркий шелковый шарф, завязанный вокруг шеи вместо галстука или галстука, и ответил на прозвище Моди, каламбур на peintre маудит (проклятый художник). Русский художник Хаим Сутин был близким другом, а Морис Утрилло, позже прославившийся картинами Монмартра, был его любимым собутыльником. Модильяни тоже был дружен с Пикассо, хотя и не входил в его ближайшее окружение.Пикассо, который своей заплатанной одеждой и рыбацкими свитерами произвел впечатление на рабочего, похоже, восхищался гардеробом Модильяни больше, чем его картинами; нуждаясь в холсте, он однажды закрасил купленную им работу Модильяни. Модильяни, со своей стороны, признал гений испанца, но сказал другу, что артистический талант не может служить оправданием для того, чтобы одеться прилично.

На протяжении большей части своей жизни Модильяни был больше известен как персонаж, чем как художник. Примерно через 40 лет после его смерти его дочь, Жанна Модильяни, писала, что некоторые люди чуть не упали в обморок от его учтивого, культурного поведения, в то время как другие находили его «невыносимым шутом» и «скучным пьяным развратником».(Жанна, которая была малышкой, когда ее родители умерли, воспитывалась сестрой своего отца в Италии. Она знала своего отца только по интервью, письмам и другим документам. Художница и писатель, она умерла в 1984 году в возрасте 66 лет.)

Первым покровителем Модильяни был Поль Александр, молодой хирург и потенциальный торговец, который управлял своего рода малобюджетной арт-колонией в захудалом доме на улице Рю дю Дельта в Париже. Модильяни рисовал там бесплатно и передавал свои холсты Александру по 10–20 франков за каждое (от 2 до 4 долларов), а свои эскизы — примерно за 20 сантимов (4 цента).Это было немного, но врач разрешил художнику забрать свою работу, если ему удастся получить лучшее предложение. Между 1909 и 1913 годами Модильяни написал три масляных портрета Александра. Первый был обычным портретом, на котором объект изображал фигуру, положив руку на бедро. Последний (крайний слева), который художник нарисовал по памяти, является наиболее характерным «модильяниским», с быстрой манерой рисования, вытянутым лицом и пустыми глазами, которые стали его визитной карточкой.

Модильяни участвовал в семи картинах акварелью и маслом на Парижской выставке Осеннего салона в 1907 году и пяти работах в Салоне независимых в 1908 году, но они не привлекли особого внимания.Кроме Александра, его искусство, похоже, не интересовало никого. Озлобленный, он вместо этого бросился заниматься резьбой по камню, частично вдохновленный румынским скульптором Константином Бранкузи, другом и соседом. Модильяни был убежден, что Роден и его последователи испортили скульптуру, слишком полагаясь на глину — «слишком много грязи», как он это назвал. Он заявил, что настоящие скульпторы вырезаны прямо из камня. Для этого он украл куски известняка со строительных площадок. Для создания скульптуры из дерева он снял дубовые шпалы с новой линии метро, ​​которую затем продлили до Монмартра.

Примерно с 1909 по 1914 год, хотя каменная пыль и ослабляла его хилые легкие, Модильяни вырезал серию больших, очень стилизованных каменных голов. С их невероятно длинными носами и крошечными поджатыми ртами в массивных произведениях сочеталась безмятежность скульптуры из гробниц раннего Возрождения с экзотической жуткостью монолитов острова Пасхи. Он также рисовал и раскрашивал кариатиды — несущие архитектурные фигуры — почти с одержимостью.

«Влияние племенного искусства, особенно африканской скульптуры, на авангард в Париже в этот период невозможно переоценить», — говорит Мейсон Кляйн, младший куратор Еврейского музея, который считает, что острое осознание Модильяни себя как еврея ( если не практикующий) и посторонний открыли ему богатство незападного искусства.«Если вы посмотрите на его скульптуру, — говорит Кляйн, — вы увидите влияние не только африканского искусства, но и кхмерского искусства, а также искусства архаической Греции, Древнего Египта и Рима. Вы даже видите некоторые из знаковых присутствий византийского искусства ».

К сожалению, резные головы Модильяни были слишком странными, чтобы привлечь покупателей. Он использовал их как гигантские подсвечники в взлохмаченной студии, где часто спал и работал. Одна известняковая глыба, которую он превратил в стоящую на коленях кариатиду (стр. 78), была слишком тяжелой для него, чтобы отвести ее от пустыря, где он нашел и вырезал ее.Друзья спасли его вскоре после его смерти в 1920 году. Сейчас он находится в коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке.

«Скульптура помогла ему подумать о том, как можно упростить формы, как можно показать сущность чего-либо, используя самые простые из возможных средств», — говорит историк искусства Тамар Гарб. Когда Модильяни переориентировался на живопись примерно в 1914 году, его работы приобрели новую энергию и уверенность.

Большинство художников, сделавших себе имена в начале 20 века, приняли участие в новых движениях со своими собственными теориями и манифестами: фовизм, футуризм и тому подобное.«Модильяни был аномалией, — говорит Кляйн. «Его работы не вписываются в стандартные художественно-исторические категории, такие как экспрессионизм или кубизм. Не писать натюрморты и сосредоточиться исключительно на портретной живописи было очень необычно, если не уникально, в его время ». Но Модильяни был счастлив стоять в стороне. Чарльз Бидл, английский журналист, внесший вклад в биографию Модильяни в 1941 году под названием Artist Quarter , знал художника в Париже около 1913 года. «Однажды, — писал Бидл, — когда я спросил его, как он называл свою« манеру », он надменно ответил:« Модильяни! Когда артисту нужно приклеить этикетку, он проиграл! »

Импульсивный и склонный к спорам, Модильяни не имел ни склонностей, ни социальных навыков, необходимых для портретной живописи по заказу.(В раннем изображении французской баронессы, охотящейся на лис, он сменил алую куртку женщины на канареечно-желтую. Оскорбленная баронесса отказалась платить за картину.) Многие из его подданных были друзьями или знакомыми. Его портрет Жана Кокто (стр. 3) представляет собой ловкое сочетание фирменного «взгляда» Модильяни — несоответствия глаз, кривого носа, вытянутой головы, балансирующей на шее, похожей на постамент, — и ледяного высокомерия поэта. «Вы видите, как Кокто властно сидит на своем троноподобном стуле, приподняв бровь, и готов отклонить чье-то глупое замечание», — говорит Кляйн.Картина имеет элементы карикатуры, но источает серьезность королевского портрета.

Не менее показательны изображения Модильяни Поля Гийома, его первого серьезного торговца произведениями искусства. На портрете 1915 года Гийом выглядит гладким и уверенным, с растрепанными усиками и одной рукой в ​​перчатке, держащей сигарету. «Модильяни написал« Novo Pilota »под фигурой, — говорит Кляйн. «Он видел в Гийоме своего« нового пилота », сообразительного представителя авангарда, который собирался продвинуть свою карьеру.Но вы также видите его недоверие к этому космополитическому всезнайке в том, как он подчеркивал дерзкий наклон головы, модный костюм, сигарету, почти как если бы Гийом был сутенером, продающим работы Модильяни ».

Конечно, сегодня наиболее известны стилизованные интерпретации Модильяни томных, меланхоличных женщин. Но то, что заставляет многие из его портретов оставаться в памяти, — это беспокойство, затуманивающее лица его героев. «Все похожи на раненых детей, хотя у некоторых из них есть бороды или седые волосы», — писал русский писатель Илья Эренбург, который также знал художника в Париже.«Я считаю, что мир казался Модильяни огромным детским садом, которым управляют очень недобрые взрослые». Уязвимого ребенка, заламывающего руки в фильме Little Girl in Blue , на самом деле только что отругали. Художник послал ее за бутылкой вина, и она вернулась с лимонадом.

Возможно, беспокойство отражало также бремя собственной бедности Модильяни. Его выселили из нескольких комнат на Монмартре и Монпарнасе, и он ночевал в отелях, рассчитанных на один франк, в залах ожидания на вокзалах и в заброшенных зданиях.Однако он сумел сохранить свою элегантность независимо от своих финансов и привлек множество любовников, хотя его отношения, как правило, были бурными и непродолжительными. В отличие от своих друзей-художников, он отказывался от случайных заработков, хотя его попытки продать собственные работы часто заканчивались плохо. В 1925 году художник Морис де Вламинк вспомнил, как Модильяни показывал несколько рисунков дилеру, который разыскал его в своей мастерской: когда дилер уговаривал скидку, «Модильяни, не говоря ни слова, взял стопку бумаг и тщательно их поправил , проделал дырку во всей свае, продел через нее веревку, пошел и повесил их в туалете.”

Помимо небольших сумм, которые его мать время от времени отправляла ему по почте из Ливорно, Модильяни выжил в основном благодаря быстрым наброскам людей в кафе, которые он обменивал на монеты, еду или напитки. Вламинк вспомнил небрежное достоинство Модильяни, когда он работал в Café de la Rotonde: «Жестом миллионера он протягивал лист бумаги (на котором он иногда заходил так далеко, что подписывал свое имя), как мог бы протянуть банкнота в качестве платежа тому, кто только что купил ему стакан виски.”

В 1916 году Модильяни подружился с мелким арт-дилером по имени Леопольд Зборовски, польским эмигрантом и самозваным поэтом, который сумел предоставить художнику небольшое ежемесячное пособие в обмен на регулярное распределение картин. Такая аранжировка подняла настроение художника, а также повысила его доход. В рамках сделки Зборовский предоставил художнику комнату, еду, малярные материалы и пространство для студии, а также уголь для отопления. Уголь оказался незаменимым холодной зимой 1917 года, когда с поощрения Зборовского Модильяни нарисовал серию крупных обнаженных фигур, которые являются одними из самых незабываемых работ художника.

«Модильяни — глубоко итальянский художник, и его явно интересует язык тела, который является языком итальянского искусства», — говорит Гризельда Поллок, историк искусства из английского университета Лидса, которая написала о обнаженных телах для Еврейского музея. каталог выставки. «Когда вы стоите перед некоторыми обнаженными фигурами Модильяни, вы буквально смущаетесь присутствия такой откровенной телесности. И все же, несмотря на то, что он слывет этим бравым человеком с множеством любовников, обычно это были модели, нанятые для него Зборовски.Он их не знал «.

Зборовски продал одну обнаженную натуру за беспрецедентные 300 франков (60 долларов), но в целом они оказались проблематичными. Фрэнсис Карко, друг Модильяни, писатель, приобрел его для своей холостяцкой квартиры. «На следующее утро, — вспоминал он, — когда моя консьержка пришла убирать комнату, она чуть не упала замертво, увидев фотографию над кроватью». На первой и единственной персональной выставке Модильяни в парижской галерее Берты Вайль в декабре 1917 года большая обнаженная фигура была помещена в переднее окно магазина, через дорогу от полицейского участка.Заметив толпу, собравшуюся в ночь открытия, полиция провела расследование и приказала удалить все обнаженные тела. Когда Вайль потребовал объяснений, инспектор возмутился: « Ces nues. . . ils ont des p-p-poils! »(« Эти обнаженные… у них волосы на теле! ») Запланированное на месяц шоу было закрыто до того, как оно официально началось, хотя Вейллу удалось продать два рисунка. (Сорок лет спустя у женщин Модильяни все еще повышалось кровяное давление. Почтовые власти Нью-Йорка сочли открытку музея Гуггенхайма с изображением одного из его лежащих обнаженных тел неподходящим для U.С. почты в 1950-е гг.)

Когда Модильяни встретил своего последнего и самого преданного любовника, Жанну Эбютерн, в 1917 году, она была многообещающей студенткой-искусствоведом 19 лет. Она быстро переехала к нему, оставив свою мелкобуржуазную семью в ужасе от того, что она связалась с неудавшимся художником. Причем еврейский. Пара делила обветшалую квартиру на улице Гранд-Шомьер, где, по словам одного из более поздних арендаторов, «сквозь стену можно было видеть солнечный свет».

Эбютерн была стройной, с миндалевидными глазами, бледным лицом и длинными светло-коричневыми косами.Она была настолько замкнутой, что жена Зборовского, Ганка, впоследствии не могла припомнить, чтобы когда-либо слышала ее голос. Модильяни представил ее как свою «лучшую возлюбленную» — нежность, которую он, по всей видимости, никогда не проявлял к другим женщинам в своей жизни, — и письменно пообещал жениться на ней (хотя он так и не сделал этого). По всей видимости, любовь Эбютерн к Модильяни была безусловной; она даже попустительствовала его выпивке и посещению магазинов.

В 1918 году, когда Париж находился под бомбардировкой Германии, Эбютерн беременна, а здоровье Модильяни постоянно ухудшалось, Зборовский организовал художественный ретрит в Провансе для себя, своей семьи и группы художников (включая Модильяни и Эбютерн), который длился почти год. .Там палитра Модильяни стала ярче, а его композиции — смелее. Эбютерн родила их дочь Жанну в Ницце 29 ноября 1918 года. К лету 1919 года она снова забеременела. «Я толстею и становлюсь респектабельным гражданином Кань-сюр-Мер», — сказал Модильяни своему другу-художнику тем летом в притворном ужасе. «У меня будет двое детей; это невероятно. Это противное ! »

Его искусство наконец привлекли внимание. Тем летом Модильяни и Утрилло стали звездами крупной художественной выставки в Лондоне.Влиятельный писатель и критик Арнольд Беннетт написал в каталоге выставки, что портреты Модильяни «подозрительно похожи на шедевры».

На странице в своем альбоме в начале 1920 года Модильяни нацарапал: «Новый год. Здесь начинается новая жизнь ». Куратор Кляйн говорит: «Он написал это в Париже за три недели до своей смерти. Он знал, что умирает, но работал до конца ». Модильяни, вероятно, заболел пневмонией. Ослабленный и истощенный, он потерял сознание дома и был доставлен без сознания в благотворительную больницу, где скончался через два дня.

На его похоронах присутствовали известные деятели парижского искусства: Пикассо, Леже, Дерен, Бранкузи и сотни других. Во время похоронной процессии скорбящие сообщили, что к ним подошли дилеры, желающие купить картины Модильяни. Галереи с его работами на складе подняли цены в десять раз; покупатели снова подняли их в десять раз. Рынок наводнили подделки. Его картины жаждали даже полицейские. Мать и братья и сестры Модильяни в Италии никогда не получали выгоды — им принадлежало очень мало его картин, если таковые вообще были.Единственным наследством четырнадцатимесячной Жанны была коллекция, которую от ее имени передали коллеги-художники ее отца.

Через четыре года после смерти Модильяни французский писатель Мишель Жорж-Мишель сделал его трагическим героем мелодрамы Les Montparnos (английское издание называлось Left Bank ), созданной по образцу оперы La Bohème . С тех пор жизнь Модильяни была романтизирована в других книгах, на сцене и в фильмах, совсем недавно в фильме (дата выхода не определена) шотландского писателя-режиссера Мика Дэвиса с Энди Гарсиа в главной роли.Историк культуры Морис Бергер, изучавший посмертную репутацию художника, говорит, что Модильяни «никогда не был любимцем историков модернистского искусства, которые считают его работы, возможно, не столь важными, но публике они всегда нравились: их элегантность, утонченность и т. Д. его размах. А людям всегда нравятся хорошие истории ».

«Жизнь» Джеффри Мейерса

«За бессмертие нужно дорого заплатить: нужно несколько раз умереть, пока еще жив».
— Ницше

Автопортрет 1919

И он умер от тысячи сокращений разочарований.С того момента, как он покинул свой родной город Ливорно, Италия, чтобы переехать в Париж, он нашел единственное место, где должен был находиться.

Мир слишком долго искал его.

Тора Клинковстром смоделировала его в 1919 году. Моди был близок к смерти в тот момент, менее чем через год до его окончательной кончины, но ее описание дает

«За бессмертие нужно платить дорого: нужно умереть несколько раз при жизни ».
— Ницше

Автопортрет 1919

И он умер от тысячи сокращений разочарований.С того момента, как он покинул свой родной город Ливорно, Италия, чтобы переехать в Париж, он нашел единственное место, где должен был находиться.

Мир слишком долго искал его.

Тора Клинковстром смоделировала его в 1919 году. Моди был близок к смерти в тот момент, менее чем через год до своей окончательной кончины, но ее описание дает вам некоторое представление о его очаровании с женщинами. »Тора нашла его« совсем маленьким, с обветренным лицом, черными неопрятными волосами и чудесными горячими темными глазами… ».Он прошел в черном бархатном костюме с небрежно завязанным вокруг шеи красным шарфом… Достаточно взглянуть на него, чтобы увидеть, что он опасен ». К 1919 году Моди уже был разорен пьянством, болезнями и тяжелой жизнью; несмотря на это, он все еще излучал такую ​​очаровательную силу, что обольстил красивую шведскую двадцатилетнюю девушку.

Modigliani

Изобретение фотоаппарата оказало огромное влияние на искусство. Потребность в истинных изображениях художников отпала.Художники могли изменить свой стиль на более интерпретирующие портреты. ». К 1914 году Моди отказался от своих натуралистических, до скульптурных портретов, наследие его обучения в Италии девятнадцатого века, в пользу более индивидуального стиля. Под влиянием фрейдистской психологии он отверг ограничения «ретинальной» традиции и чувствовал себя свободным использовать, искажать или игнорировать видимую реальность ».

Портрет Пикассо Модильяни, как видите, его стиль все еще менялся.

Пабло Пикассо был самым известным из художников-модернистов. Он был не только талантливым, темпераментным (или, можно сказать, резким), новаторским художником, но и обладал талантом в искусстве саморекламы. В начале 1900-х годов Париж, особенно районы Монмартр / Монпарнас, был лучшим местом в мире, куда можно было приехать за вдохновением. У Шагала была мастерская по соседству с тем местом, где жил Модильяни. Сутин, Паскин, Сезанн, Шиле, Матисс и Кислинг, и это лишь некоторые из них, отправились в Париж, чтобы испытать синергию, которая вдохновляла так много удивительно прогрессивного искусства.Запах краски, пролитого вина и покрытых пятнами простыней пропитал воздух кафе и баров Монмартра.

Пикассо и Модильяни были заклятыми врагами. Пикассо был знаменит и на пути к богатству, в то время как Модильяни все еще раздавал свои картины, которые через несколько лет будут стоить миллионы, на оплату еды или аренды. Его одежда была потрепанной. Его здоровье нестабильно. Когда у него заканчивались деньги на холст, он рисовал на дверях и стенах. Контраст между их двумя жизнями был резким.Модильяни был убежден, что его искусство так же интересно и важно, как работы Пикассо, но, пока коллекционеры начали взвинчивать цены на картины Пикассо, картины Модильяни томились в неизвестности. Несмотря на то, что Пикассо уже добился успеха и ему действительно не нужно было шутить с кем-то вроде Модильяни, он был очарован Моди и его искусством. Эти наполненные трениями отношения лучше всего проиллюстрировали фильм « Модильяни » 2004 года с Энди Гарсиа в главной роли. Этот фильм стал прекрасным дополнением к этой биографии.

Я всегда восхищался картинами Моди: длинные шеи, искажения, странные глаза. Несмотря на все эти манипуляции, вы все равно можете узнать объект. Суетливый поэт-гомосексуал Жан Кокто был так взволнован картиной Моди, изображающей его, что отказался платить за нее. Кокто был не один; многие из испытуемых Моди были расстроены его интерпретациями того, кем они были. Это просто подтверждает для меня, что Моди использовал что-то реальное, слишком реальное, определенно не идеализированное.

Жан Кокто

Обнаженная кожа Моди впечатляет.

Обнаженная, сидящая на диване (1918) одна из моих любимых.

”В отличие от таких современных мастеров, как Фрэнсис Бэкон и Люсьен Фрейд, чьи обнаженные фигуры вызывают тревогу и вызывают беспокойство, Моди, как Ренуар и Матисс, стремился передать эстетическое удовольствие, а его женщины являются одними из самых эротичных и желанных обнаженных женщин в моде. история живописи. Он создал свою характерную обнаженную натуру разными способами: имитируя позы великих картин, используя чувственную линию для определения формы тела; , лишив его обнаженного тела практически всего контекста и атрибутов, чтобы сосредоточиться на сущностной женщине ; следуя примеру Гогена, используя более темный, более реалистичный цвет кожи и откровенно показывая волосы на лобке; и установив близость с его обнаженными телами, а не дистанцировавшись от них.”

Художники района Монпарнас привлекали девушек, девушек и других девушек. Они служили моделями, грелками для кроватей, спонсорами, и в конечном итоге большинство из них было заменено кем-то новым. У Моди была своя доля любовников. Известная русская поэтесса Анна Ахматова даже ненадолго связалась с ним. Женщиной, которая больше всего оказалась вовлеченной в последнюю трагедию жизни Моди, была Жанна Эбютерн.

Жанна, Жанна, бедная Жанна.

Жанна Эбютерн

Она заботилась о нем, как могла, но на самом деле Моди нужно было бросить пить и есть три квадрата в день, и хотя Жанна в основном стояла на рельсах перед летящим экипажем смерть, она не могла остановить неизбежное.Моди умер в возрасте 35 лет от туберкулезного менингита. Жанна, преданная цели (см. Спойлер) [выбросилась из окна пятого этажа, убив себя и своего будущего младенца, через два дня после смерти Моди. Ребенок был бы вторым ребенком, родившимся с Модильяни. (скрыть спойлер)]

Портрет Жанны

Если бы Модильяни прожил хотя бы на несколько лет дольше, он был бы очень богатым человеком. 1920-е годы принесли в Париж наводнение или богатых спекулянтов, которые купили искусство и увезли его обратно в США, что подогрело еще больший интерес к искусству, выходящему из Парижа.После его смерти цена на работы Модильяни резко возросла, и теперь он считается одним из самых важных художников-модернистов. Он был так близок, так ужасно близок к реализации своей мечты о финансовом успехе и признании важного артиста.

Если вы хотите увидеть больше моих последних обзоров книг и фильмов, посетите http://www.jeffreykeeten.com
У меня также есть страница блоггера в Facebook по адресу: https: //www.facebook.com/JeffreyKeeten [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br » ]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br «]> [» br » ]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [«br»]> [» br «]>

Яркая энергия племенного сельского Гуджарата Бхайрави Моди — Об искусстве и эстетике

Я только что открыл для себя многообещающий художник, готовый к выходу на международную арену — это Бхайрави Моди.Бхайрави родом из Ахмадабада, крупнейшего города в штате Гуджарат на западе Индии, и часто исследует предметы из разрастания городов своего родного города — обрывки повседневной жизни, фрагменты перемещающейся нации, запечатленные и сопоставленные с наследием .

Ее также тянет к близлежащим деревням — одновременно простым и ярким. На выставке под названием «Когда зов павари», прошедшей в прошлом году в галерее Archer Art Gallery в Ахмедабаде, она решила сосредоточиться на культуре района Данг на юге Гуджарата, с которым она впервые познакомилась во время семейной прогулки в 2014 году.«Павари» — традиционный инструмент данги, который регулярно используется в особых случаях, в частности, на «Данг Дарбар» («дарбар» на урду означает «двор» или «королевское собрание»), зрелищном ежегодном фестивале, проводимом в округе. в течение трех дней вокруг Холи, обычно в марте.

Равана Тати в Дходхалпаде, холст, масло, 54 х 88 дюймов, 2018 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

В начале весны в Данг Дарбар собираются главы нескольких племенных (известных как «адиваси») общин, проживающих в этом регионе, и отмечается праздничными празднованиями среди собраний для решения сварливых вопросов.Это древняя практика, которой британцы уделяли должное внимание. Это продолжается и сегодня. Бхайрави изображает Данг Дарбара в полуреалистичных повествовательных картинах с помощью привлекательной игры цветов и штрихов, а также тщательного позиционирования одушевленных и неодушевленных предметов. Произведения содержат названия конкретных деревень, например, «Дходхалпада», «Чикади», «Датта», «Гходамбе».

Из всех индуистских фестивалей Холи с большим энтузиазмом отмечается в племенных общинах, которые в основе своей являются аграрными.Это означает период отдыха. Урожай собран, суровое лето еще впереди, фермы можно подготовить к сезону дождей. Кроме того, ярмарки Холи — это время, когда одинокие молодые люди могут пообщаться, выбрать себе пару и выйти замуж до того, как пойдут дожди.

Балирам Кришна Тати в Чикади, холст, масло, диптих, 60 х 72 дюйма, 2019 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Шраван в Чикади, холст, масло, 30 х 48 дюймов, 2018 © Бхайрави Моди.Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Данг — самый маленький район в Гуджарате, почти весь он покрыт холмами. Для местных сообществ эти холмы должны оставаться «довольными и насыщенными», чтобы они защищали сообщество. Племена Данга следуют своим собственным религиозным обрядам — ​​их боги в основном связаны с природным окружением, в котором они живут и работают, и, поскольку они хорошо осведомлены о хаосе, который природа может нанести человечеству, их церемонии работают вокруг сохранения их природных богов. счастливы, и сообщество благословлено.Тем не менее, влияние индуистских эпосов — с их мифами и верованиями — также существенно, хотя часто их интерпретация может сильно отличаться от той, что предлагается в традиционном индуизме.

Бхайрави использует рассказы из мифов, такие как история Шравана в «Рамаяне», известного своей преданностью своим родителям. Божества, коровы, фермеры, барабанщики объединяются в ритуалах танца, музыки и песнопений. Девушке делают татуировку на руке, дети и подростки строят простые дорожные заграждения, чтобы собрать «фаг» (своего рода пожертвование) от путешественников.Танец «Бхавада», в который входят такие персонажи, как Равана, Бхима, Хануман, Кришна Вират Сваруп, Бхавани Мата, демоны, такие как Бакасур, исполняется фигурами в масках. Есть также менее известные персонажи, такие как Даттатрейя и Пундалик, которые могут быть прослежены под влиянием народных верований из соседнего штата Махараштра. Их грандиозные личности воплощаются в воображении племен посредством создания огромных масок, символизирующих (и усиливающих) их огромное влияние на людей.

Бхавани Мата в Дходхалпаде, холст, масло, 60 х 84 дюйма, 2019 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Еще одно важное событие — это «Белпода», фестиваль общин данг, посвященный быкам — кастрированным быкам, которые помогают вспахивать поля и водят телеги, доставляющие продукты на рынки, а также перевозят семьи по близлежащим деревням. Тело быка становится холстом для фермера, который раскрашивает их охрой и розовыми цветами, часто отпечатками рук или точками или простыми геометрическими декоративными узорами.Бхайрави чутко описывает нежную связь между человеком и животным. Мужчины и женщины украшают быков поясами и предлагают им «пуранполи».

Белпода в деревне Датта I, холст, масло, 48 х 72 дюйма, 2019 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Бхайрави не стремится возвеличивать деревенскую жизнь как нечто невинное и мирное. явно противопоставляет хаосу и алчности города. В основном она хочет прославлять сельскую культуру как таковую.Тем не менее, заинтересованный зритель испытывает тягу к другому образу жизни в мире и смотрит в космос, который, хотя и может показаться несколько наивным, обладает богатством, с которым мегаполисы не могут сравниться.

В картинах есть подтексты, критикующие скорость, с которой рушится образ жизни в тандеме с природой, насколько обостряются ценные отношения между людьми, между людьми и животными, и как многовековые традиции и ритуалы, укрепившие связь между всеми живыми существами на земле, подвергаются сомнению, смеются над ними и отвергаются.

Работа Бхайрави ценна еще и тем, что она сопротивляется однородности, которую процессы урбанизации и индустриализации могут навязать населению. Выбирая небольшие, не широко известные сообщества в качестве своей темы и раскрывая их во всей их глубине и разнообразии, она нарушает — и это прекрасно — искусственное прикрытие единообразия, внутри которого средства массовой информации часто пытаются собрать и удержать различные группы, растворяя их уникальные личности и заглушают их голоса.

Родившийся в 1980 году в Ахмедабаде, Бхайрави Моди изучал живопись в Колледже изящных искусств Sheth CN в Ахмедабаде (2002) и на факультете изящных искусств Университета M S в Вадодаре (2004).Ее работы были частью нескольких персональных и групповых выставок в Ахмедабаде, Сурате, Мумбаи, Вадодаре, Хайдарабаде, Нью-Дели и за рубежом, в Великобритании и Канаде. Она создала фреску для фонда Gujarat Vishwakosh Trust, Ахмедабад, и участвовала в тихом аукционе, организованном Художественной галереей Ричмонда в Британской Колумбии. В Лондоне ее картины выставлялись в отеле Taj и галерее на Корк-стрит, Мэйфэр.

Агья Ветал в Дходхалпаде, холст, масло, диптих, 48 х 78 дюймов, 2018 © Бхайрави Моди.Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Паварикар с Бхайей в Годамбэ, холст, масло, 48 х 27 дюймов, 2016 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Сапцрунги Мата в Вагхай Хаат для Холи, холст, масло, 72 х 48 дюймов, 2019 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Дунгардев в Канзаре Гад, холст, масло, 72 х 48 дюймов, 2018 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Бхайа в Бармьяваде, холст, масло, 48 х 72 дюйма, 2017 © Бхайрави Моди.Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Тугу в Дходхалпаде, холст, масло, 48 х 48 дюймов, 2018 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Пундалик в Чикади, холст, масло, 48 х 30 дюймов, 2018 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Хаат в Сакар — деревня Патар для Холи, Холст, Масло, 48 х 48 дюймов, 2019 © Бхайрави Моди. Предоставлено художником и Художественной галереей Арчер.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Опубликовано Tulika Bahadur

Родился в Индии, получил образование в Лондоне, небольшая база в Сиднее. Всегда рад путешествовать. Все деловые запросы, касающиеся создания контента, кураторства, образовательных мероприятий, покупки / ввода в эксплуатацию / аренды произведений искусства, создания коллекции, сотрудничества брендов с художниками, культурного опыта, мероприятий и туров, направляйте на [email protected]. Пожалуйста, представьтесь перед отправкой пресс-релизов и информационных бюллетеней. Я буду особенно помнить тебя! IG: @ tulika_inez_bahadur89 (личный) и @connoisseurscircle (социальный клуб).Просмотреть все сообщения Tulika Bahadur

.